профессиональная программа

Организаторы:
Музей-заповедник «Царицыно» 
в партнерстве с Благотворительным фондом Владимира Потанина и Фестивалем «Золотая Маска» 

В рамках публичной программы «Театр и музей. Опыты взаимодействия» выставки-фестиваля «Театрократия. Екатерина II и опера» 

Практический курс «Театр и музей. Социальная миссия» представляет формы и форматы участия культурных институций (включая музейные, театральные, фестивальные, концертные институции) в решении социальных вопросов и проблем, а также позволяет освоить практические навыки реализации и продюсирования социально направленных проектов и проектов устойчивого развития. 

Культурная деятельность перестала быть зоной самовыражения и автономии творческого индивида. Это тем более справедливо в отношении культурных институций, которые в современном обществе отвечают на новую повестку дня, становятся агентами социальных дискуссий и изменений и агентами устойчивого развития. Более того, социальная повестка дня перестала быть факультативным дополнением к программе основной деятельности, сегодня культурная институция формирует программы, команды и бюджеты, в равной мере адресующиеся и художественным практикам, и социальной миссии. Более того, социальные проекты культурных институций оказываются релевантными современному состоянию общества, зачастую даже более релевантными и эффективными, чем деятельность специализированных организаций.  

Социальные миссии культурных агентов так же разнообразны, как и социальные контексты, в которых действуют культурные институции. Можно выделить наиболее часто повторяющиеся сюжеты и темы: экология, образование, демография, гендерное и расовое равенство. Однако, эффективность культурных институций как социальных агентов не в последнюю очередь объясняется вариативностью и многозадачностью культурного продукта. Один и тот же проект может быть направлен на решение сразу нескольких вопросов — и одновременно оставаться художественным продуктом.

Запрос на социальные проекты в сфере культуры формируется не только со стороны общества или локального сообщества, но и со стороны самих артистов, исполнителей, авторов. Искусство все больше интересуется наукой и социальными дисциплинами, все более внимательно к нестандартным формам восприятия и взаимодействия с культурой и искусством, все изобретательнее обращается к непрофессиональным участникам культурной деятельности.  

Социально ориентированные проекты не могут решаться без формирования и развития организационных, административных, продюсерских навыков и компетенций, которые позволяют эффективно реализовывать проекты. Проектная работа включает большое количество организационной, административной, финансовой работы, планирования и менеджмента.  

Практический курс «Театр и музей. Социальная миссия» направлен на исследование лучших практик на примере нескольких проектов (кейсов), реализованных ведущими культурными институциями. А также на передачу этих знаний молодым профессионалам в области культуры, культурного менеджмента, государственного управления в сфере культуры, урбанистики и развития территорий.

Курс направлен на развитие и повышение кураторских/менеджерских компетенций слушателей (не только на концептуальное представление). Курс активирует компетенции по проектному менеджменту, логистике, таймингу, правовыми, финансовыми вопросами, маркетингу в культурной деятельности, начиная с возникновения идеи проекта до открытия и продвижения.

Продюсер и куратор учится на практике. Курс сочетает разные формы и форматы обучения и практического освоения. Курс обеспечивают группа преподавателей / коучей, которые используют форматы работы в зависимости от тематики. Основными элементами курса являются:

• мастер-классы ведущих кураторов и продюсеров из ведущих мировых институций на основе уже реализованных проектов (кейсов), адресованных актуальной социальной повестке;
• регулярные занятия с российским преподавателем по детальной проработке отдельных аспектов продюсирования социальных проектов.

Курс адресован специалистам музеев, театров и иных институций в сфере культуры, а также специалистам других социально-ориентированных организаций и органов государственного управления.

Мастер-классы программы: 

Практика создания и использования декораций, минимизирующая отрицательное влияние на окружающую среду, при программировании Фестиваля в Экс-ан-Провансе/ Festival International d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence (Франция)

Фредерик Льоннет, глава конструкторского бюро фестиваля 

*

Работа с вопросами демографии и миграции в рамках проекта «Diasporic Schools» Фестиваля Кунстафестивальдезартс/Kunstenfestivaldesarts (Брюссель, Бельгия) 

Даниэль Бланга-Губбай, арт-директор фестиваля 

*

Работа с вопросами социальной незащищенности и бедности в рамках проекта «Archives invisibles» биеннале Manifesta 13 (Марсель, Франция, Марсель)

Яна Кличук, руководитель отдела образования и медиации биеннале Manifesta

Примавера Гомес Кальдас, в прошлом — медиатор и ассистент образовательной программы биеннале Manifesta 13

О коучах курса: 

Валентина Останькович. Театральный художник. Окончила ГИТИС, экспериментальный курс Д. Крымова и Е. Каменьковича. Художник Лаборатории Дмитрия Крымова и автор сценографии и костюмов спектаклей в Детском музыкальном театр им. Н.И. Сац, театре «Мастерская П.Н. Фоменко», Театре Наций, Театре им. А.С. Пушкина, театре «Практика» и др. Лауреат Премии «Золотая Маска». С 2014 преподает в ГИТИСе на режиссерском факультете в группе художников. Преподавала на курсе «Creative start» в Британской Высшей Школе Дизайна.

Надежда Конорева. Заместитель директора Центра им. Вс. Мейерхольда, в разные годы работала в качестве продюсера на фестивалях «Золотая Маска», «Новая драма», Пасхальном фестивале, «Кинотеатр.doc». Учредитель и директор Творческого объединения «КультПроект».

профессиональная программа

Организаторы:
Музей-заповедник «Царицыно» 
в партнерстве с Благотворительным фондом Владимира Потанина и Фестивалем «Золотая Маска» 

В рамках публичной программы «Театр и музей. Опыты взаимодействия» выставки-фестиваля «Театрократия. Екатерина II и опера» 

Сотрудничество музеев и театров стало мейнстримом. Это явление не только дань междисциплинарности, которая является одним из определений современного искусства, не только попытка освоения неконвенциональных пространств и не только прагматика оптимизации затрат или развития аудитории. Совместная проектная работа — это способ переопределить «традиционные», привычные жанры и формы культурной деятельности. 

Содержательные задачи создания музейно-театральных проектов не могут решаться без формирования и развития организационных, административных, продюсерских навыков и компетенций, которые позволяют эффективно реализовывать проекты, отвечать на запросы и предложения художественной команд и налаживать межинституциональное сотрудничество и партнерство.

Курс представляет формы и форматы сотрудничества между музеями и театрами, а также позволяет освоить практические навыки реализации и продюсирования проектов, созданных на стыке между театральными и музейными практиками. Курс активирует компетенции по проектному менеджменту, логистике, таймингу, правовыми, финансовыми вопросами, маркетингу в культурной деятельности, начиная с возникновения идеи музейно-театрального проекта до его открытия и продвижения. Курс включает изучение практик крупнейших мировых институций, а также рабочие встречи по анализу практик работы в России с ведущими кураторами и продюсерами.

Мастер-классы программы: 

Выставка «Soundmuseum» 
D MUSEUM, Сеул, Южная Корея 

Луи Чихён Ким, старший куратор и руководитель отдела кураторских программ в Музее современного искусства «Тэлим» и D MUSEUM

На выставке «Звуковой музей» («SOUNDMUSEUM») были представлены более 20 произведений искусства, основанных на звуке и его визуальных образах: саунд-инсталляции и светозвуковые интерактивные инсталляции, визуальная музыка, аудиовизуальные перформансы, в том числе создаваемые посетителями. Они располагались в 13 отдельных «звуковых пространствах», организованных для экспозиции и объединённых кураторским повествованием. Многомерная структура выставки вовлекала посетителей в действие, в котором они переживали эмоции, вызванные звуковыми эффектами.

Выставка была открыта в условиях коронавирусной пандемии и работала с соблюдением строжайших санитарных требований, предотвращающих распространение вируса в музее.

Выставка «Звуковой музей» будет рассмотрена на семинаре как продолжавшийся восемь месяцев перформанс, объединивший художников, их произведения, музейное пространство и посетителей.

В рамках мастер-класса можно будет познакомиться со всеми аспектами создания выставки: от выработки концепции и организации долгосрочного производственного процесса до взаимодействия с публикой и преодоления непредвиденных препятствий, возникших во время работы.

Выставка «Опера: страсть, власть и политика» / «Opera: Passion, Power, and Politics»
Музей Виктории и Альберта, Лондон, Великобритания

Кейт Бэйли, старший куратор и продюсер отдела театральных и перформативных искусств Музея V&A, куратор выставки «Опера: страсть, власть и политика»

Каспер Холтен, режиссер, директор Королевского театра Дании, в 2011–2017, руководитель оперы Королевского оперного театра в Лондоне

Выставка музея Виктории и Альберта создана в сотрудничестве с Ройял Опера Хауз и рассказывает захватывающую историю жанра оперы, от его возникновения в Италии в период позднего Возрождения до сегодняшнего дня. Выставка организована вокруг семи премьер в семи европейских городах и рассказывает историю, которая растянулась почти на четыреста лет.

Выставка показывает, как создание новых опер отражает социальные, политические, экономические и художественные дискуссии, определяющие облик городов, а также демонстрирует процесс создания оперного спектакля от либретто до партитуры, от макета до постановки. Премьеры и города, в которых они состоялись, представленные в рамках выставки: Венеция и «Коронация Поппеи» Монтеверди в 1642 году, Лондон и «Ринальдо» Генделя в 1711 году, Вена и «Свадьба Фигаро» Моцарта в 1786 году, Милан и «Набукко» Верди в 1842 году, Приж и «Тангейзер» Вагнера в новой редакции в 1861 году, Дрезден и «Саломея» Штрауса в 1905 году и Ленинград и «Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича в 1934 году.

Выставка открыла Галерею Сейнсбери музея Виктории и Альберта, подземное пространство, одно из крупнейших пространств для временных выставок в Великобритании.

Мастер-класс раскрывает принципы и процесс организации выставки, показывает, каким образом экспозиция создает иммерсивный, телесный, театральный опыт посетителя, как дизайн вставки организует маршрут сквозь историю оперы. Выставка была первым событием такого рода, посвященным жанру оперы, где дизайн и сценография создавали единый нарратив и 4D опыт посетителя.

Выставка «Опера мир, в поисках единения искусств» / «Monde, la quête d’un art total» 
Центр Помпиду-Мец, Франция 

Стефан Гислен Руссель, художественный руководитель креативного бюро «Projeten» (Люксембург), режиссер-постановщик, драматург и куратор

Анн Хорват, координатор исследовательских программ Центра Помпиду-Мец 

Выставка «Opéra Monde», включенная в программу празднования 350 летия Парижской Национальной Оперы, ставит перед собой задачу исследовать феномен «тотального произведения искусства» (Gesamtkunstwerk) на основе развития оперы. Экспозиция построена в соответствии с принципами постановки оперы. Состоящая из 10 «микро-актов», она не следует хронологии развития жанра, а рассматривает драматургически связанные темы и идеи, которые вместе позволяют получить опыт того самого «единства искусств», которое заложено в традиции Вагнера.

Выставка не ставит задачу исчерпать тему, она словно фуга воздействует на все органы чувств и представляет, как опера, с одной стороны, заимствовала, с другой — питала изобразительное искусство. Сценографию выставки создала Малгожата Щесняк, постоянный соавтор и сценограф спектаклей Кшиштофа Варликовского.

Кураторы выставки Стефан Гислэн Руссель и Анн Хорват расскажут, как создание мультисенсорной выставки на основе театрального материала и совместно с театральными художниками позволяет исследовать традиционный жанр, который становится пространством для эксперимента и социальной адекватности.

Выставка «Уильям Форсайт – факт материи» / William Forsythe – The Fact of Matter 
Музей современного искусства, Франкфурт-на-Майне, Германия 

Марио Крамер, куратор, главный хранитель коллекции Музея современного искусства во Франкфурте-на-Майне 

Юлиан Габриэль Рихтер, продюсер и директор студии Уильяма Форсайта 

В 2015 году MMK für Moderne Kunst представил первую тематическую выставку, посвященную «Хореографическим объектам (Choreographic Objects)» хореографа и художника Уильяма Форсайта. Выставка была оммажем и благодарностью города за 25-летнюю деятельность в качестве художественного руководителя Forsythe Company. Выставка также стала одновременно программным представлением исследования границ между изобразительным искусством и хореографией, которую Форсайт вел со своей компанией и в сотрудничестве с несколькими художественными и университетскими организациями города. С 1973 года Форсайт в основном работал в Германии, где он создал беспрецедентный танцевальный мир. Он создавал балетные спектакли, меняющие представления о балете, экспериментальные танцевальные спектакли, цифровые танцевальные партитуры и сайт-специфичные инсталляции («Хореографические объекты»), которые неожиданно превращали зрителей в игроков. В этот период с 2010 по 2013 год он также осуществил исследовательский проект «Банк движений (технологии импровизации) / Motion Bank (Improvisation Technologies)», первую цифровую платформу для анализа танца, его записи и импровизации.  

Выставка расположилась на трех этажах MMK.  Она также включала часть работ из коллекции MMK и выстраивала диалог между постоянной коллекцией и объектами Уильяма Форсайта, основываясь на аналогии содержания или формы. 

Старший куратор MMK Марио Крамер и директор студии Уильяма Форсайта Юлиан Габлер Рихтер расскажут, как осуществлялась работа над выставкой в непосредственном контакте с Уильямом Форсайтом, а также представят (и покажут) способы организации посетителей в своеобразные танцевальные инсталляции и композиции.

*Фото — Выставка «Уильям Форсайт – факт материи» / William Forsythe – The Fact of Matter 
Музей современного искусства, Франкфурт-на-Майне, Германия 

Практический курс для продюсеров, кураторов и профессионалов в сфере культуры

Организаторы:
Отдел культуры и образования Посольства Великобритании в Москве 
Манчестерский международный фестиваль (MIF)
Институт театра 

В рамках форума UK-Russia Creative Bridge

С 10 по 14 марта 2021 года в рамках российско-британского культурного онлайн-форума UK-Russia Creative Bridge Отдел культуры и образования Посольства Великобритании и институт театра приглашают профессионалов индустрии на тренинг по совместному заказу и продюсированию / ко-продюсированию международных проектов.

Создание и прокат крупномасштабных арт-проектов, в которых решающая роль принадлежит художнику, и в которых участвуют несколько международных партнеров на стадии заказа и производства, является трудоемким процессом. На всех его этапах важнейшая роль принадлежит продюсеру. Действия продюсера нивелируют сложности, помогают реализовывать видение художника, оставаться в рамках бюджета и добиться того, что проект будет приемлем для всех вовлеченных в процесс партнеров и доступен для разной аудитории.

Продюсер учится в процессе работы. Манчестерский международный фестиваль (MIF) и Институт театра постарались максимально приблизить свой совместный тренинг к реальной практике продюсирования. Тренинг разработан таким образом, чтобы через практические задания, изучение и взаимный обмен предоставить участникам инструменты для расширения их опыта. Тренинг ведут опытные продюсеры MIF с участием международных партнеров. Он предоставит участникам практические навыки и знания, необходимые продюсерам крупномасштабных международных проектов и менеджерам по прокату. 

Пять проектов MIF, созданных по заказу нескольких международных партнеров, станут основой для тренинга: «Дерево кодов», «Жизнь и смерть Марины Абрамович», «New Order/Лиам Гиллик: So it goes…», «Невидимые города» и «Атмосферная память». На примере этих сложнейших проектов, их производства и международного проката, авторы тренинга проведут участников через все этапы создания междисциплинарных проектов с международным партнерством и помогут перенести полученные знания на условия российского культурного производства и непосредственно на опыт каждого.

Тренинг MIF/Института театра разработан для практической работы с ограниченной группой участников, отобранной на основе открытого приема заявок. Часть сессий будет открыта для широкой аудитории. Ключевую сессию проведет креативный директор MIF Марк Болл, который представит MIF и новое пространство фестиваля The Factory.

Адресаты тренинга: продюсеры с опытом работы от 1 до 3 лет в области театрального, музыкального, фестивального и ивент-менеджмента.

Прием заявок завершен.

Участие в тренинге бесплатное. Тренинг проводится на английском языке без перевода. В процессе отбора заявок Отдел культуры и образования Посольства Великобритании в Москве гарантирует соблюдение политики равных возможностей и недискриминации.

Для участия в тренинге необходимо:

Расписание

10 марта
Как работает продюсер международных проектов

11.00-12.30 Знакомство / Разогрев / Объем работы продюсера / Практическая работа
12.30-13.30 ланч
13.30-16.00 Представление проектов Манчестерского международного фестиваля MIF, созданных на условиях совместного заказа и производства, для изучения в рамках тренинга / Практическая работа
16.00-16.10 перерыв
16.10-16.40 Резюме дня / Общее обсуждение
16.40-17.00 перерыв
17.00-18.00 ОТКРЫТАЯ СЕССИЯ Марк Болл, креативный директор Манчестерского международного фестиваля. Представление MIF и пространства The Factory

11 марта
Бюджет международного проекта / Управление изменениями

11.00-12.30 Бюджетирование / Практическая работа / Пример бюджета международного проекта МИФ
12.30-13.30 ланч
13.30-14.40 Кейс «Atmospheric Memory» / Практическая работа
14.40-15.00 перерыв
15.00-16.40 Кейс «Invisible Cities» / Практическая работа
16.40-17.00 перерыв
17.00-18.00 ОТКРЫТАЯ СЕССИЯ Пол Клэй, исполнительный продюсер MIF. Работа продюсера с условиями доступности искусства. Презентация на примере проекта «Atmospheric Memory»  

12 марта
Контракты в международных проектах

11.00-12.30 Что должно быть в договоре художественного заказа / Практическая работа / Кейс «So it goes» / Работа с оригинальной музыкой
12.30-13.30 ланч
13.30-15.40 Практическая работа / Комментированный обзор контракта МИФ
15.40-15.50 перерыв
15.50-16.40 Алисон Фридман, арт-директор West Kowloon Cultural District, Гонконг. Выступление и q&a
16.40-17.00 перерыв
17.00-18.00 ОТКРЫТАЯ СЕССИЯ Международное сотрудничество в культурных проектах. Панельная дискуссия с участием преподавателей тренинга

13 марта
Культурный контекст. Управление в комплексных отношениях

11.00-12.30 Гаурав Крипалани, арт-директор Фестиваля в Сингапуре. Выступление и q&a
12.30-13.30 ланч
13.30-14.40 Кейс «15 Rooms» в Шанхае
14.40-15.00 перерыв
15.00-16.40 Прокат за границей / Практическая работа
16.40-17.00 перерыв
17.00-18.00 Билл Брагин, арт-директор NYU, Абу-Даби. Выступление и q&a

14 марта
Прокат международных проектов

11.00-12.30 Прокат за границей / Практическая работа
12.30-13.30 ланч
13.30-16.40 Резюме / Обсуждение в группе / Индивидуальные обсуждения
16.40-17.00 перерыв
17.00-18.00 ОТКРЫТАЯ СЕССИЯ Место России в международном сотрудничестве.  Панельная дискуссия с участием Пола Клэя / Антона Гетьмана / Алисы Прудниковой

О преподавателях

Пол Клэй
Исполнительный продюсер Манчестерского международного фестиваля искусств (MIF).

Став исполнительным продюсером фестиваля в 2012 году, Пол занимался реализацией собственных проектов, а также начал развивать международное направление и продюсировать крупномасштабные проекты за рамками фестиваля, включая мировые турне иммерсивной выставки «Bjork Digital» и фильма «Река основ» Мэтью Барни. В 2018 году Пол стал руководителем новой международной команды фестиваля и полностью посвятил себя этому направлению работы.

За свою тридцатилетнюю карьеру Пол Клэй занимал руководящие, продюсерские и технические должности во многих британских культурных институциях, в том числе лондонском театре Алмейда (в 1990 году Пол управлял работой театральной компании в трех театрах Вест-Энда, участвовал в ряде бродвейских адаптаций и отвечал за организацию гастролей); Английском Королевском театре в Плимуте (Пол продюсировал известные мюзиклы для Вест-Энда), Английской национальной опере и Театре королевской биржи в Манчестере.

Салли Лай
В своей работе Салли Лай опирается на приверженность международному сотрудничеству.

Получив профессию куратора современного искусства, Салли Лай уже более 20 лет работает в культурном секторе. Салли была директором Центра современного искусства Китая (2008-2014), работала в культурном центре Firstsite, Совете по делам искусств Англии, в команде по подготовке лондонской олимпиады 2012 и музее Wellcome Collection. Салли — автор и редактор статей об искусстве в международных журналах, ведущая программы на BBC Radio 4.

Салли Лай входила в состав правлений многих культурных организаций, в том числе Центра искусств Аттенборо, Университета Лестера, фестиваля современного искусства Atlantic Project, центра современного искусства CCANW и проекта Black Artists andModernism. В 2005-2006 года Салли была удостоена стипендии программы Clore Leadership Program. Салли Лай — выпускница программы Стэнфордского университета для руководителей некоммерческих организаций.

Салли вела продюсерские тренинги Манчестерского международного фестиваля в Гонконге и Москве.

О Манчестерском международном фестивале
Манчестерский международный фестиваль —  первый в мире фестиваль, инициирующий оригинальные и смелые междисциплинарные проекты. Фестиваль проводится раз в два года в Манчестере. Следующий фестиваль состоится с 1 по 18 июля 2021 года.

Манчестерский международный фестиваль — это место, где на первом плане стоит художник и где представлены работы всех видов искусства и массовой культуры. Проекты, созданные в рамках MIF, широко гастролируют и принимаются партнерами фестиваля по всему миру.

Фестиваль стал инициатором, продюсером и площадкой для многих известных художников, среди которых Марина Абрамович, Дэймон Албарн, Бьорк, Борис Чармац, Джереми Деллер, Уэйн МакГрегор, Стив МакКуин, Шармин Обаид-Чиной, Томас Остермайер, Максин Пик, театральная компания Punchdrunk, инди-поп-группа The xx, Роберт Уилсон, Йоко Оно и архитектурное бюро Zaha Hadid Architects.

Чтобы развивать креативные сообщества Манчестера, команда фестиваля реализует программу творческого взаимодействия Creative Engagement Programme. Помимо этого, фестиваль совсем скоро представит новый масштабный центр культуры и искусства The Factory в самом центре родного города.

*Фото — спектакль «Invisible Cities», ​Manchester International Festival, Rambert, 59 Productions and Karl Sydow.

Интенсивный курс для стейдж-менеджеров о способах управления спектаклем и репетициями, способах фиксации спектакля и организации работы театральных коллективов

Организаторы: Институт театра. Образовательный проект Фестиваля «Золотая Маска»
Школа «Шоу Консалтинг», Санкт-Петербург

При поддержке Союза театральных деятелей Российской Федерации

Благодарим за содействие компанию «Бродвей Москва»

Стейдж-менеджер, помощник режиссера, управляющий сценой, ведущий режиссер, директор сцены. Кто эти люди? Или может быть, это один человек?

Роль стейдж-менеджера в российском театре прошла за последние сто лет несколько крутых поворотов. Управляющего сценой из дореволюционного театра понизили до помощника режиссера, где он долгое время находился в недооцененном и зависимом положении. Современный театр с его исключительными требованиями к профессионализму и многозадачности человека, сводящего воедино все процессы, происходящие на сцене во время действия, позволяет вернуть этой профессии статус главного человека на сцене.

Интенсивный курс «Управление сценой в современном театре» возник из практического запроса. В рамках курса участники вместе с лучшими российскими и зарубежными практиками театра обсудили значимость профессии стейдж-менеджера в современном театре и получили возможность познакомиться с методами продуктивной работы, поделились опытом и подкрепили новые знания точными рецептами. Что знает успешный стейдж-менеджер? За что отвечает? Как включен в организационную структуру российского и зарубежного театра? Или – в структуру проекта? Почему в европейских и американских театрах эта должность так значима, а в российских – малозаметна? Чего хотят от стейдж-менеджера творческие группы, а что – директора театров? Как выстроить правильные взаимоотношения с коллективами? Как добиться порядка на сцене, чтобы при этом избежать конфликтных ситуаций?

Организаторы курса преследовали цель дать подробный анализ профессии стейдж-менеджера как топовой театральной профессии и обозначить потенциал ее развития.

Подробнее о преподавателях:
Елена Балаева (Москва) – стейдж-менеджер оперы Большого театра России, работает с ведущими оперными режиссерами, руководит репетиционным процессом, проводит спектакли на стационаре и на гастролях.
Карин Байер (Берлин, Германия) – стейдж-менеджер театра «Фольксбюне».
Анна Волк (Москва) – прошла путь от помощника режиссера театра Ленком, где работала с режиссерами В. Мирзоевым, Р. Самгиным, М. Захаровым, художниками П. Каплевичем, Е. Степановой, О. Шейнцисом, до директора театра им. А.С. Пушкина. Работала стейдж-менеджером в компании «Мюзикл Стейддж Продакшн», на выпуске и прокате спектакля «Иствикские ведьмы», помощником режиссера и администратором проекта Фонда Станиславского «Вишневый сад» (режиссер Эймунтас Някрошюс). На протяжении 8 лет работала техническим директором и руководителем фестивального штаба Фестиваля «Золотая Маска». В настоящее время – первый заместитель художественного руководителя-директор театра «Центр драматургии и режиссуры».
Антон Гетьман (Москва) – генеральный директор Московского академического Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. На протяжении 15 лет был заместителем генерального директора Большого театра, по сути – генеральным продюсером театра. Преподаватель продюсерского факультета Школы-студии МХАТ.
Алиса Спирина (Москва) – руководитель образовательных программ Московского академического Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, переводчик, ассистент режиссера в музыкальном театре.
Сергей Тимонин (Москва) – заведующий художественно-постановочной частью Новой сцены Большого театра России с 2004 года, театральный художник. Сотрудничает с ведущими оперными режиссерами и хореографами. Преподает на постановочном факультете Школы-студии МХАТ и в Высшей театральной школе Константина Райкина.
Лилия Фаизова (Москва-Нью-Йорк) – В течение 12 лет работала компании «Стейдж Энтертейнмент», в 2012–2018 гг. в качестве исполнительного продюсера (мюзиклы «Русалочка», «Призрак Оперы», «Бал вампиров», «Привидение»). Также работала на постановке ледового шоу «Питер Пэн » и других проектах Holiday on Ice, была ассистентом художника по свету в мюзикле «Mamma Mia!», менеджером сцены мюзикла «Красавица и Чудовище», менеджером труппы мюзиклов «Zorro» и «Звуки музыки». Принимала участие в подготовке постановок Большого театра «Вечера американской хореографии» и «Кармен». Работала в международном театральном проекте Elements в Китае (Шэньчжэнь). Сейчас – исполнительный продюсер компании «Московский Бродвей».
Глеб Фильштинский (Санкт-Петербург) – художник по свету, театральный художник-постановщик, режиссер мультимедиа, создатель и художественный руководитель Студии «Шоу Консалтинг». Сотрудничает с ведущими российскими и европейскими театрами и шоу.
Ричард Хестер (Нью-Йорк) – стейдж-менеджер Бродвейских и офф-бродвейских театров и мюзиклов (August Wilson Theatre, Studio 54 Theatre, Marquis Theatre, Booth Theatre, Shubert Theatre, Martin Beck Theatre, Lunt-Fontanne Theatre, Plymouth Theatre, Gershwin Theatre, Majestic Theatre, St. James Theatre, Denver Performing Arts Center, Lincoln Center Theatre, Manhattan Theatre Club), супервайзер национальных и заграничных туров

Подробнее о кураторах:
Екатерина Моченова – практик современного театра, художник-технолог сцены, сценограф-ассистент, разработчик системы технической документации Большого театра России, разработчик учебных программ и методических пособий для студентов театральных факультетов, преподаватель Школы-студии МХАТ. Работала в Большом театре с 2002 года в должности ведущего художника, заместителя заведующего ХПЧ, главного технолога, была техническим директором гастролей Большого театра на протяжении нескольких лет, техническим координатором совместных постановок Большого театра иностранными оперными компаниями. В качестве ассистента художника-постановщика и технолога проектов работала с П. Брауном, С. Пастухом, Б. Каминским, М. Някрошюсом, И. Уткиным, Д. Черняковым, Э. Макдональдом, Х-Д. Шаалем. Постоянно сотрудничает с творческой группой Д. Чернякова в качестве ассистента художника-постановщика.
Ольга Соловьева – директор Школы «Шоу Консалтинг», образовательного проекта Санкт-петербургской студии «Шоу Консалтинг». Куратор совместных образовательных программ Школы и Российского государственного института сценических искусств, организатор международных образовательных проектов для художественно-технического персонала театров и работников шоу-индустрии.

Из всех практик современного театра выделяется особая категория – это театр, основным выразительным средством и носителем смысла которого становится человек, не имеющий отношения к профессиональному театру. В одном случае это рядовой горожанин («100% City» Rimini Protokoll), в другом – носитель особого знания или главный герой документальной истории («Акын-опера» Всеволода Лисовского), в третьем – непосредственно зритель, пришедший на спектакль по билету (проект «LARP»).

Такой тип театра с оглядкой на концепцию «Театра для людей» Джорджо Стрелера можно условно назвать «театром людей». К настоящему моменту внутри этого вида театрального искусства сформировался внушительный профессиональный инструментарий. Главная задача лаборатории – выявить этот инструментарий и снабдить им представителей российского театрального сообщества.

С 30 марта по 14 апреля ведущие эксперты по созданию театральных проектов с участием непрофессионалов провели серию мастер-классов для участников лаборатории – молодых российских профессионалов в области театра. Среди приглашенных мастеров – представители документального театра, социальной хореографии, ролевых игр живого действия и альтернативного театрального образования из России и Европы.

Подробнее о преподавателях:
Штефан Кэги (Берлин) – один из основателей, драматург и режиссер документальной театральной компании Rimini Protokoll.
LARP.Moscow (Москва-Париж) – первое российское арт-объединение, разрабатывающее техники импровизационных ролевых игр скандинавского типа на территории театра.
Тандем Саши Денисовой и Ольги Цветковой (Москва), разработавших метод совмещения техники вербатим и социальной хореографии.
Театральный проект «ВМЕСТЕ» — участницы объединения Ада Мухина, Наташа Боренко, Мария Колосова создают междисциплинарные проекты на стыке театра, социальной проблематики и образования, работая методами документального и партисипаторного театра, а также педагогическими технологиями бразильского театрального режиссера Аугусто Боаля.
Всеволод Лисовский (Москва) – создатель и руководитель независимого объединения «Трансформатор», работающий на территории радикального театрального (в том числе социального) эксперимента в лабораторных и полевых условиях.
Екатерина Бондаренко и Татьяна Гордеева (Москва) – тандем драматурга и хореографа, исследуют и практикуют социальную хореографию.
Борис Павлович (Санкт-Петербург) – режиссер и культуртрегер, художественный руководитель социокультурного проекта «Квартира» и ряда кросс-жанровых и кросс-культурных событий на пересечении педагогики, инклюзивных практик и современного театра.

Подробнее о кураторах:
Всеволод Лисовский – практик и теоретик современного театра, автор экспериментальных проектов на пересечении театра, современного искусства и социальных практик («Молчание на заданную тему», «Неявные воздействия», «Сквозь/ Скольжение по возможностям» и многих других), основатель и руководитель объединения «Трансформатор», лауреат «Золотой маски».
Алексей Киселев – театральный критик, журналист, обозреватель интернет-журнала «Афиша Daily», главный редактор проекта Издательства Яндекса «Я в театре», куратор фестиваля «Форма», эксперт фестиваля «Золотая Маска».

Структура лаборатории:
Лаборатория «Театр людей» состояла из двух параллельных процессов. Первый – серия открытых мастер-классов, на которых студентам лаборатории и посетителям мастер-классов были продемонстрированы самые разные методы работы с непрофессионалами на территории современного театра. Второй – закрытые занятия с мастерами: участникам лаборатории предлагалось стать ассистентами в подготовке небольших театральных проектов с участием непрофессионалов, получив соответствующие навыки из первых рук.

Открытые мастер-классы лаборатории:

30 марта 12.00
Центральная эстрада парка «Сокольники»
ДОКУМЕНТАЛЬНЫЙ ТЕАТР В ГОРОДСКОМ ПАРКЕ. ЧТО ПРОИСХОДИТ?
Лекция куратора лаборатории Алексея Киселёва

30 марта 15.00
Пространство «Букводом»
РОЛЕВЫЕ ИГРЫ ЖИВОГО ДЕЙСТВИЯ. ТЕАТР КАК ИНСТРУКЦИЯ
Мастер-класс Александра Овечкина (LARP. Moscow)

31 марта 15.00
Орнитарий парка «Сокольники»
УЖАСЫ РАБОТЫ С НЕПРОФЕССИОНАЛАМИ
Мастер-класс Всеволода Лисовского

1 апреля 14.00
Пространство «Букводом»
О ПРИНЦИПАХ СОТВОРЧЕСТВА ПРОФЕССИОНАЛОВ И НЕПРОФЕССИОНАЛОВ
Мастер-класс Бориса Павловича

5 апреля 12.00
Пространство «Букводом»
ПРАКТИКА ТЕАТРАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ ДЛЯ ВСЕХ
Мастер-класс Валерия Караваева

6 апреля 13.00
Пространство «Букводом»
DANCE/DOC — КАК ЭТО РАБОТАЕТ?
Мастер-класс Саши Денисовой и Ольги Цветковой

7 апреля 17.00
Пространство «Букводом»
ОБ ОПЫТЕ РАБОТЫ С НЕИГРАЮЩИМИ ЛЮДЬМИ НА СЦЕНЕ
Мастер-класс Штефана Кэги

8 апреля 12.00
Пространство «Букводом»
АРТ-ПРАКТИКА ДРАМАТУРГ+ХОРЕОГРАФ: ПРИНЦИПЫ ИНТЕРДИСЦИПЛИНАРНОГО ВЗАИМОДЕЙСТВИЯ
Мастер-класс Татьяны Гордеевой и Екатерина Бондаренко

11 апреля 11.00
Пространство «Букводом»
ЧТО ТАКОЕ МЕТОД БОАЛЯ, И ПРИЧЕМ ТУТ ТЕАТР
Мастер-класс Ады Мухиной (театральный проект «Вместе»)

Место:
Лаборатория проходила сразу в нескольких пространствах парка Сокольники. Ввиду того, что актуальные театральные практики в области работы с непрофессионалами реализуются чаще всего вне театральных сцен и залов, лаборатория происходила в общественных зонах на территории городского парка. Кроме того, важный аспект «театра людей» – взаимодействие с социальными группами и сообществами; именно в городских парках консолидируются такие группы. Это возрастные, спортивные, субкультурные, политические, родительские и другие сообщества. Для проведения мастер-классов и воркшопов мастера выбирали интересующую их тему, сообщество и локацию соответственно.

Цели лаборатории:
Организаторы лаборатории преследовали две равновеликие цели. Первая: коллективно исследовать новейшие театральные практики, зафиксировать и вооружить ими профессиональное сообщество. Вторая задача: экспансия современного театра на территорию прежде неизведанную, но принципиально важную – территорию городских сообществ, где формируется базовый опыт потенциальной театральной аудитории.

Результат лаборатории:
Участники со своими преподавателями представили серию короткометражных экспериментальных спектаклей на территории парка Сокольники. В течение одного дня были показаны спектакли:

«Что ответили птицы Франциску Ассизскому?» 16+
Место проведения: Орнитарий
Мастер лаборатории: Всеводод Лисовский
Авторы: Всеволод Лисовский, Павел Сердюков, Елена Гордиенко, Юрий Сорокин, Элина Куликова, Анастасия Киреева, Андрей Жиганов, Анна Гилёва
Участники: Олег Суворов-Ларионов, Полина Полякова, Саша Шильников, Фантик, Рыжик, Дымка, Малыш, Кира, Варяг, Эрих, Валькирия, Ольг, Кунак, Куська, Черчиль-Сталин-Смерч, Кара, Граф, Карат, Аврора, Велес-Печорин, Алтай и др.

«Соседи» 18+
Место проведения: Пространство Московской школы нового кино (Митьковский проезд, 2)
Мастер лаборатории: Александр Овечкин
Авторы спектакля: Анастасия Киреева, Леонид Прокофьев, Татьяна Зубарева, Элина Куликова, Яна Сигида

«Пейзажи в движении» 12+
Место проведения: Батутный клуб
Мастера лаборатории: Татьяна Гордеева, Екатерина Бондаренко
Автор спектакля: Татьяна Зубарева

«Я могу!» 16+
Место проведения: Культурное пространство «Букводом» в Сокольниках
Мастера лаборатории: Саша Денисова, Ольга Цветкова
Авторы спектакля: Яна Сигида, Ульяна Подкорытова, Диляра Турянская, Анна Куликова-Абонисимова

Лаборатория Охада Нахарина и компании «Бат-Шева» по технике и творческому процессу gaga для профессиональных балетных танцовщиков

При поддержке Посольства государства Израиль в РФ

Совместно с театром «Балет Москва»

Созданная Охадом Нахарином gaga давно перестала быть только танцевальной техникой и оказалась способом приобрести знание и самосознание через тело, новым способом двигаться на сцене, в студии, в жизни. Gaga стала самостоятельной эстетикой и мощным творческим стимулом. Gaga предлагает условия для того, чтобы открыть и укрепить тело, усилить пластичность, выносливость и мобильность, освобождая при этом чувства и воображение.
Лаборатория «Гага для балета» исследует балетное тело и балетное движение. Существуют общие проблемы танцовщиков балета, с которыми можно работать при помощи gaga. Это отсутствие чувства «потока», блоки, чрезмерное подчинение стилю и школе, потеря инстинкта движения, плохое использование гравитации, отсутствие текстуры в движениях, длительная подготовка к движению.
Лаборатория для балетных танцовщиков была направлена на то, чтобы раскрепостить их инструментарий, который поможет в занятиях, исполнении. На то, чтобы вывести новую породу балетных танцовщиков.

От организаторов лаборатории Охада Нахарина и компании «Бат-Шева» «Гага для балета»:
Программа Института театра–2018 включает уникальную лабораторию «звездного» хореографа Охада Нахарина, давно ставящего во всех главных театрах мира, автора важной для современного танца техники gaga и одного из главных культурных послов Израиля. Охад Нахарин неожиданно даже для нас организаторов предложил провести лабораторию для классических балетных танцовщиков, которую мы назвали «Гага для балета». И это не только очень любопытный сюжет – как балетное тело с его жестким движенческим кодексом и ограничениями и зажимами взаимодействует с техникой gaga. Это предложение еще и идеально для русского национального балетного контекста, в котором исключительно эффективная школа балетной подготовки сочетается с консерватизмом мышления и творчества и неумением осознать и использовать границы балетной техники. Gaga предлагает условия, в которых сверхтренированное и выносливое балетное тело находит возможности для увеличения пластичности и реактивности, а также открывает новые творческие возможности и ресурсы.

«Мы больше узнаем о форме нашего движения и тела. Мы приобретаем чувство бесконечности наших возможностей. Мы исследуем многомерное движение. Мы получаем удовольствие от жжения в мышцах. Мы осознаем нашу взрывную энергию и иногда можем ее использовать. Мы изменяем наши движенческие привычки. Чтобы найти новые. Мы можем оставаться спокойными и настороже одновременно», – говорит Охад Нахарин.

Работа лаборатории должна стать импульсом для дальнейшего исполнительского и творческого прогресса. Именно поэтому лаборатория организована на базе «Балета Москва» с участием танцовщиков других балетных компаний. Такая организация создает условия для воплощения результатов лаборатории в продукции этих компаний и, возможно, в новой хореографии участников лаборатории. Согласие Охада Нахарина на интенсивную лабораторную работу, учитывая его график, кажется совершенно фантастическим, и лаборатория может стать «game changing» опытом для участников лаборатории и для танцевального контекста страны. Это сотрудничества кажется особенно важным в связи с юбилеем государства Израиль, когда самый влиятельный хореограф Израиля реализует уникальный для любой страны проект именно в России.

Выражаем огромную признательность Посольству Израиля в Российской Федерации.

Лаборатория по исследованию способов существования театральной критики и журналистики в современном обществе

в сотрудничестве с Союзом театральных деятелей РФ

В 2018 году акцент в работе лаборатории был сделан на выработку редакционных форматов, в которых театральная критика, и в первую очередь театральная рецензия, могла бы существовать в современной медийной ситуации и сопротивляться сжатию поля культурной журналистики, снижению уровня текстов про культуру и инертности редакционных политик. Участники лаборатории исследовали процесс формирования экспертного знания о театре, в котором носителем экспертизы становился не отдельный критик, а группа критиков, «коллективный автор», и результатом их работы становился не отдельный материал, а группа материалов, в которых каждый существовал и работал только внутри контекста, литературного, театрального, культурного. Работа лаборатории предприняла попытку предложить механизмы, применимые в разных сферах культурной журналистики.

Лаборатория состояла из цикла практических занятий, самостоятельной работы над текстами и совместного формирования еженедельного «выпуска». Занятия проходили раз в неделю в воскресенье. Участники еженедельно писали по одному рецензионному или критическому тексту. Главные составляющие и этапы лаборатории:
• написание критических и аналитических текстов;
• обсуждение и формирование «выпуска» о театре;
• публикация работы;
• анализ реакции и отзывов.

Структура практического занятия:
• Обсуждение и разбор текстов, написанных участниками на основе просмотренных спектаклей по выбору участников (срок сдачи пятница до 11.00 путем публикации в фб-группе) – 2 часа;
• Перерыв – 15 минут;
• Обсуждение и формирование «выпуска», выработка рекомендаций к тестам с учетом «выпуска» – 1 час 45 минут;
• Самостоятельная редактура тестов с учетом рекомендаций (срок сдачи понедельник до 11.00);
• Публикация «выпуска» (среда-четверг).

Расписание:
воскресенье, с 11.00 до 15.00

Обучение бесплатное.

«Почерк» – это долгосрочный проект, состоящий из лаборатории и практикума, в которых молодые дизайнеры и представители российских театров совместно разрабатывают новый визуальный образ шести российских театров средствами графического дизайна. Идея проекта заключается в создании актуального визуального облика российского театра, который соответствовал бы новому пониманию его миссии и роли в городе. Мы рассчитываем на реализацию проектов в театрах – партнерах проекта. В декабре работу проекта подытожат выставка авторских проектов в Центре им. Мейерхольда и выход в печать книги о современном дизайне театров на основе работ участников проекта.

Этапы проекта:

Конкурс молодых дизайнеров: до 12 апреля
Лаборатория театрального дизайна (курс лекций о месте театра в современном городе, маркетинге исполнительских искусств, семинары по выработке миссии театра): 18 апреля – 20 апреля 2013
Экспедиция участников в выбранные театры и работа над авторским проектом: 23 апреля – 1 октября
Работа по подготовке к выставке и изданию книги: 1 октября – 15 декабря
Выставка и презентация книги: 15 декабря

Участники:
Молодые (до 35 лет) дизайнеры и шесть театров в лице художественного руководителя, сотрудника по работе со зрителями, pr-менеджера, заведующего литературной частью. (Дизайнеры отбираются на конкурсной основе.)
Театры – партнеры программы, которые имеют намерение реализовать план ребрендинга, выработанный в рамках проекта.

Проект входит в программу «Институт театра», организованную в рамках «Школы театрального лидера» при поддержке Департамента культуры города Москвы.

Партнер проекта — Союз театральных деятелей России

Информационный партнер проекта — журнал «КАК»

Мастер-класс театральной педагогики (ведет Клаудиа Майер, Германия) и обширная программа по интеграции театра и средней школы, включающая комплекс мероприятий, которые обрамляют поход школьного класса на спектакль. Программа включала подготовку школьника к восприятию искусства театра и создание универсальной методики работы. Проект реализовывался театральными педагогами и преподавателями московских школ. Планируется применение методики в регионах страны.
При поддержке Немецкого культурного центра им. Гете.

Два года в Центре им. Вс. Мейерхольда работает «Мастерская сторителлинга» – группа свободных актеров, режиссеров, драматургов и других театральных деятелей, объединенных одной целью – найти новый язык общения со зрителями, сделать коммуникацию произведением искусства. Эта группа непрерывно совершенствуется, обучаясь у западных артистов, российских хореографов, драматургов, бизнес-сторителлеров, режиссеров. Результаты своего труда мастерская показывает на «Фестивалях историй» в московских парках и совершенно бесплатно: искусство застает зрителя там, где его никто не ожидает. Сегодня артисты мастерской осваивают новый жанр – демократическое искусство стендап-комедии, искусство быть откровенным, говорить от своего лица, отстаивать свой взгляд на мир – и быть при этом не пафосным, а смешным. 22 марта на театральной площадке в парке «Аптекарский огород» они выступят со своими тренерами – Кириллом Сиэтловым и Алексеем Квашонкиным, а так же американским комиком Джерри Корли, который до этого проведет в ЦИМе трехдневный мастер-класс.

Проект Института театра, Ассоциации театральных критиков и Ассоциации музыкальных критиков

Серия профессиональных семинаров.

Профессиональная подготовка театральных критиков и экспертов всегда находилась в центре внимания Института театра, который каждый год проводил практическую лабораторию для критиков того или иного жанра театра. Целью лаборатории было формирование нового поколения критиков и исследователей театра. 2015 год оказался исключительно важным для профессии – театральные критики объединились в ассоциацию и стали активно влиять на культурные процессы. Эти события, новая роль и новые возможности театрального критика стали предметом серии профессиональных семинаров Ассоциации театральных критиков и Ассоциации музыкальных критиков, организованных в рамках Института театра. Какие практические возможности открыты молодым театральным критикам? Эти новые возможности, новые позиции критика в театральном процессе нужно, во-первых, обнаружить, и, во-вторых, освоить. Критик как аналитик, как продюсер, как историк современности, как культуртрегер, как один из создателей спектакля: перспективы профессии в сегодняшней реальности.

Театральная педагогика – один из инструментов для эффективной работы по повышению качества зрительской аудитории, в том числе со школами и с классами. Вы можете превратить этот зрительский сегмент из порой неуправляемой толпы в увлеченную, открытую для восприятия аудиторию, в «своего» зрителя. Театральная педагогика позволяет научить ребенка понимать и любить театр, открыть в себе талант зрителя, подготовить аудиторию к восприятию спектакля. Театральным педагогом может стать любой сотрудник, который любит театр, любит и умеет общаться с людьми, имеет для этого некоторое время, поверьте, его потребуется не так уж много. Это может быть завлит, сотрудник пресс-службы, администратор, актер…

Программа двухдневного мастер-класса состояла из театральных уроков для зрителей перед спектаклями и двух мастер-классов с участием московских театральных педагогов, которые прошли стажировку у немецких и американских специалистов. На занятиях участникам было предложено создать новые программы подобных занятий для спектаклей собственного театра.

В 2014 году Класс театральной критики сосредоточился на балете и современном танце. Класс состоял из лекций и практических занятий, походов в театр и разборов спектаклей, работы с текстом. Главная цель Класса – научить(ся) писать о танце.

Программа Класса театральной критики 2014 года рассчитана на несколько недель. В течение всего времени участникам Класса была предоставлена возможность ходить на спектакли Фестиваля «Золотая Маска», также на важные спектакли московских театров.

Бэби-театр — новое для России направление, это спектакли для самых маленьких: от шести месяцев до трех лет. Чем раньше человек соприкасается с искусством и культурой в своей жизни — тем вероятней творчество и интерес к искусству превращаются для него в устойчивую потребность и привычку.
В российском обществе ребенок считается готовым к восприятию искусства в возрасте от трех лет. Но новейшие педагогические и художественные практики, включая практики театральные, обращены к детям до трех лет. Современный театр для самых маленьких — не пустое развлечение, но способ познания мира через искусство. Такой театр развивает в младенцах готовность к активному познанию мира и строится на бесконфликтной драматургии, готовя детей к позитивному восприятию действительности.

«Бэби лаб» — это долгосрочная программа по развитию бэби-театра в России.

Она включает:

работу с ведущими европейскими мастерами в области театра для самых маленьких;
формирование постановочных команд;
мастерскую по созданию спектаклей для детей от 6-ти месяцев до трех лет;
организацию постоянного проката спектаклей на площадках партнеров;
формирование осознанных подходов взаимодействия художника и зрителя-младенца; определение стандартов качества постановок и инфраструктуры, связанной с показом спектаклей, поддержка экспертного сообщества;
сотрудничество с детскими психологами.

Участниками могут стать авторы (драматурги, композиторы), постановщики (режиссеры, хореографы, художники); исполнители. Для них организуются мастер-классы и предоставляется возможность разработать свои эскизы и создать спектакль.

Показы созданных с рамках лаборатории спектаклей уже идут на самых разных площадках Москвы и в апреле будут собраны все вместе под крышей Культурного центра «ЗИЛ».

Общая цель: популяризация среди учащихся и профессионалов средней школы оперы как актуального, открытого, быстро развивающегося жанра. Включение театра в образовательный процесс. Формирование заинтересованной аудитории оперного театра.
Мастерская адресована двум целевым аудиториям: учащимся общеобразовательных школ; учителям и другим профессионалам, работающим в сфере школьного образования и непосредственно взаимодействующим с учениками.

Мастерская включает два этапа:
Задача проекта в отношении учителей (1 этап) – способствовать формированию интереса к опере как средству обучения в рамках общеобразовательной школы, разработать методики преподавания оперы в общеобразовательной школе.
Задача проекта в отношении учащихся (2 этап) – способствовать формированию интереса к опере как жанру и профессиональной деятельности, предложить подходы к пониманию оперного спектакля, разрушить стереотипное понимание оперы как элитарного, неактуально, немодного или закрытого жанра, способствовать тому, чтобы опера стала частью досуга школьников. Мастерская предоставит школьникам возможность познакомиться с историей оперы и организацией оперного театра, особенностями жанра и отдельных произведений на серии интерактивных мастер-классов, и главное, позволит им принять непосредственное участие в процессе постановки и исполнения произведений классического оперного репертуара.

Формат: лекции, мастер-классы, практические занятия. Постановка оперного спектакля. Занятия будут носить интерактивный и практический характер, сопровождаться показами, живым исполнением, играми.

Ожидаемый результат:
Учителя разработают под руководством куратора и преподавателей мастерской методики включения оперы в общеобразовательный процесс, подготовят театральный урок на материале конкретного спектакля.
Учащиеся подготовят под руководством куратора и преподавателей мастерской постановку классического оперного спектакля и примут в нем участие в качестве зрителей и исполнителей одновременно.

На всех этапах с участниками мастерской будет работать команда театральных профессионалов и студентов Академии хорового искусства им. В.С. Попова под руководством куратора мастерской.

Участие в мастерской – бесплатное.

Учителя получат официальные свидетельства об участии в мастерской.

Класс театральной критики – это серия лекций и практических занятий под руководством Анны Гордеевой. Его главная цель – развить навыки создания экспертных текстов (рецензий, обзоров, анонсов, интервью) в области балета и современного танца.

Класс театральной критики:

• Способствует формированию навыков письма о музыкальном театре у молодых театроведов и гуманитариев.
• Восполняет пробел, который существует в театроведческом образовании, – актуализирует и углубляет знания о балете, современном танце и опере.
• Способствует формированию нового поколения критиков и авторов, пишущих о музыкальном театре.
• Предлагает новую платформу для постоянного разговора о событиях, происходящих в музыкальном театре.

Класс проходит в очной и очно-заочной (для студентов из регионов) форме. Занятия включают лекции, практические семинары, походы в театр, встречи с театральными профессионалами.

СОТА — это пространство исследования, теории и практики создания работ в области современного танца и перформанса.

Тема : Междисциплинарные проекты/Коллаборации — Research>Creation

Основной фокус программы – обучение непосредственно через практику. Под руководством преподавателей и менторов участники СОТЫ приобретут навыки и опыт взаимодействия и сотрудничества между собой, а также с представителями других театральных профессий и других медиа. Это позволит им развить междисциплинарное мышление в творчестве и научиться создавать перформансы на пересечении разных жанров. Они будут как работать сольно, так и ставить на группу, делать дуэты.

Программа СОТЫ состоит из технических классов, лекций, лабораторий под руководством менторов и самостоятельной работы.

Задача участников — эксперимент, исследование, анализ процессов создания работ, поиск и формирование собственного подхода к хореографическим и перформативным практикам.

Задача менторов — предоставить участникам СОТЫ теоретический и практический материал для размышления и личного исследования, предложить практики, стимулирующие творческие процессы и организовать пространство, в котором можно свободно экспериментировать и развивать свои идеи на практике.

Этапы Лаборатории

1. Первый блок работы, посвящен лабораторным практикам: получению новой информации, изучению возможностей работы с разными медиа, ознакомлению с методиками исследования и поиска материала. Каждую неделю со студентами СОТЫ будет работать один из педагогов (иногда в паре с лектором). В этот период студенты ознакомятся с разными подходами к междисциплинарным проектам, получат опыт работы с профессионалами, определят интересующие их идеи и материал, на базе которого, во втором блоке программы они будут создавать свои собственные работы. Формирование собственных работ студентов.

2. Во втором блоке студенты, разбившись на группы под руководством и коучингом менторов, будут заниматься работой над собственными междисциплинарными проектами. Каждый проект студентов получит возможность нескольких консультаций с каждым из менторов, для возможности рассмотрения работ под разным углом обращения с материалом.

Финалом лаборатории стал открытый показ работ участников.

Серия мастер-классов иностранных преподавателей для хореографов и танцовщиков по исследованию форм массового танца и перформанса

Мастер-классы являются продолжением работы ИНСТИТУТА ТЕАТРА по подготовке хореографов и перформеров. Темой мастер-классов стало исследование феномена массовых перформативных практик и способов существования коллективного перформанса в альтернативных пространствах.

Мастер-класс «Levée des conflits»
25–29 апреля

Мастер-класс, посвященный постановке Бориса Шармаца «Levée des conflits». Мастер-класс ведет Матье Бюрнер, один из танцовщиков «Музея танца» в Ренне и исполнителей «Levée des conflits», танцовщик, хореограф, саунд-дизайнер, работающий во Франции и в Германии.

Публичный показ результатов мастер-класса 27 апреля в 19.00 в Пространстве перформативных практик. Мастер-класс «Levée des conflits» проводится при поддержке Французского института при Посольстве Франции в России. Институт театра выражает благодарность Пространству перформативных практик за помощь в проведении мастер-класса.

Мастер-класс «Collective Jumps»
23–29 мая

Мастер-классе Изабель Шад (Германия) и Лорана Голдринга (Франция) и в постановке их перформанса «Collective Jumps» («Прыжок в коллективность»). Мастер-класс и работа над постановкой пройдут с 23 мая по 3 июня.
Куратор: Дина Хусейн.
Премьера перформанса «Collective Jumps» состоялась 28 ноября 2014 года в пространстве HAUHebbelamUfer в Берлине. Авторы обращаются к теме коллективности и сопротивления, исследуют возможные отношения между свободой и формой в хореографической композиции.

В рамках московского мастер-класса/постановки Изабель Шад и Лоран Голдринг предлагают участникам ознакомиться и поработать с уже существующим материалом пьесы и исследовать его возможные модификации.

Расписание мастер-класса и работы над постановкой «Collective Jumps»:
1-й этап –
23, 24, 25, 26 мая с 13.00 до 18.00
28 мая с 12.00 до 16.00
29 мая с 14.00 до 18.00
Место проведения: Пространство перформативных практик (ул. Макаренко,
д. 4, стр.1, 4 этаж)

2-й этап –
30, 31 мая и 2 июня с 11.00 до 16.00
3 июня с 14.00 до 19.00
Место проведения: Атриум Музея Современного Искусства «Гараж» (ул.
Крымский Вал, д. 9, стр. 32)

Публичные показы. Результат работы будет показан в двух версиях:
1. «Collective Jumps» в рамках фестиваля Weekend’off в Пространстве
перформативных практик.
Время события: 29 Мая в 19.00
Место проведения: Пространство перформативных практик.

2. «Collective Jumps. Installation», в рамках фестиваля перформанса «СОТА@ГАРАЖ»
Время события: 3 июня, с 19:00–21:00.
Место проведения: Атриум Музея «Гараж»

Перформанс-инсталляция Изабель Шад и Лорана Голдринга является производной мастер-класса, проведенного Институтом театра (образовательный проект Фестиваля «Золотая Маска»).

При поддержке Гете-Института и Французского института при ПосольствеФранции в России.

Работа в современном музыкальном и драматическом театре предъявляет новые требования к владению вокалом и голосом, предполагает использование форм и приемов, выходящих за рамки традиционного драматического и музыкального театра, но при этом связанных с античностью и фольклором. В настоящее время в России практически нет систематических курсов, направленных на развитие возможностей работы с современными формами вокала и голосом, увеличение выносливости и контроля над голосовыми процессами.

Лаборатория «Голос» направлена на подготовку профессионалов, владеющих современными техниками вокала и голоса в драматическом и музыкальном театре; развитие голосовых возможностей, контроль за дыханием и речью; выявление индивидуальных качеств студента.

Содержание и аспекты работы лаборатории «Голос»:

•  «расширенные техники» современного вокала, временная дисциплина при использовании «расширенных техник»;
• работа с внешними факторами, работа с различными акустическими пространствами, сурдины и мутации звука;
• использование микрофонов, трансформеров, компьютерных программ; акустическая имитация электронной обработки;
• голос в инсталляции, перформансе, флэшмобе, от соло к хору и от хора к соло;
• голос как средство живописи в современном изобразительном искусстве; спонтанный текст, освобождение от вербальности;
• выдуманные языки;
• физиологические голосовые процессы.

Лаборатория «Голос» включает мастер-классы под руководством куратора Наталии Пшеничниковой, а также Кристиана Кестена (Германия) и ШеллиХирш (США).

Кристиан Кестен – композитор, перформер, вокалист, многолетний участник легендарного ансамбля «Маульверкер», в настоящее время преподает в Берлинской академии искусств и Актерской школе имени Буша, автор многочисленных сочинений для голоса.

Шелли Хирш – выдающаяся вокалистка, импровизатор, перформер и композитор, одна из пионеров современного вокала, виртуоз «расширенных техник», автор сольных спектаклей-рассказов. Ее концерты и воркшопы пользуются большой популярностью по всему миру.

Лаборатория включает серию флэшмобов в альтернативных пространствах –в метро, бассейне, в парке и на воде, в подвалах «Винзавода».

Практическую работу сопровождает цикл публичных лекций ведущих российских композиторов Дмитрия Курляндского, Сергея Невского, Владимира Раннева на тему «Опыт работы с вербальными и невербальными текстами, традиционным и экспериментальным звучанием голоса».

Студенты лаборатории «Голос» работают с произведениями Дмитрия Курляндского, Шарлотты Зайтер, Джона Кейджа, Дитера Шнебеля, Клауса Ланга и др. Также в процессе работы созданы собственные композиции.

6 мая на сцене Центра им. вс. Мейерхольда прошла Итоговая презентация-перформанс «Колодец. Голос воспоминаний».

Семинар для заведующих литературной частью и тех, кто хочет ими стать

Заведующий литературной частью (завлит) в течение долгих лет был непременным действующим лицом российского театрального процесса. В последнее же десятилетие необходимость завлита была поставлена под сомнение самим характером новой театральной реальности. Профессия оказалась в очевидном упадке, ее престиж для выпускников театроведческих факультетов потерян.
Между тем в театре сохраняется запрос на образованного, оснащенного не только филологическими, но и другими гуманитарными знаниями профессионала. Такого профессионала в европейской традиции называют драматургом.
Взаимоотношения литературы и театра, драматургии и театра сегодня перестраиваются, переосмысливаются. Автор пьесы становится в большей степени частью театрального производства, нежели писателем со стороны. Режиссеры обращаются к прозе и самостоятельно или с чьей-то помощью делают ее сценическую адаптацию. Сама категория текста в театре, и не только драматическом, переосмысляется и требует нового понимания.
Семинар был задуман и как образовательная инициатива, как попытка исследовать и сформулировать новые черты и инструменты профессии, а также как акция для привлечения внимания театральной общественности к новой роли литературного редактора, завлита, драматурга в современном театре, репертуарном и проектном в равной степени.
Семинар состоял из лекций и практических занятий, посвященных теории драмы, разбору современных пьес, искусству инсценировки прозы, репертуарной политике театра, тенденциях современной российской литературы и драматургии, и в частности детской прозы.
Семинар завершился презентацией-питчингом проектов и инициатив от участников семинара.

В сотрудничестве с Союзом театральных деятелей РФ

Обучение бесплатное.

Можно ли научиться хорошо писать о театре и что такое «хорошо». Практический курс для театральных критиков

Фокус лаборатории «Теория и практика письма» был сделан на работу с текстом. Лаборатория помогала слушателям овладеть профессиональными навыками и получить опыт работы с устным и письменным текстом о театре и современной культуре, научиться разбираться в новых форматах, принципах, жанрах и функциях критики и журналистики, искать информацию и находить смысл, экспериментировать со стилем и формой и понимать текст как поле взаимодействия аудитории и заказчика, истории и предмета, автора и события, вечности и редакционной политики, персональных стратегий и общественных ожиданий.
Курс был построен как цикл лекционно-семинарских занятий, мастер-классов, обсуждений, экспериментов, просмотров и творческих заданий. В центре находился инструментарий, язык и функция критики и журналистики, общение с мастерами и совместный поиск ответа на вопрос что такое «хороший текст» и как его написать.
Программа лаборатории охватывала широкий круг профессиональных тем и практическое освоение связанных с ними навыков, без которых немыслим современный критический/журналистский текст о театральном событии или культурном процессе, будь то новостное сообщение, газетная рецензия, журнальный обзор, аналитическое исследование, проблемная статья, эссе, репортаж, отзыв, публицистический или художественный комментарий.
Занятия в Лаборатории включали практическую работу по созданию текстов и обсуждение теоретических проблем, связанных с профессией культурного журналиста.

Темы занятий лаборатории:
– Новый театр и новый язык в критике и журналистике
– «Ваш покорный слуга» или «Я» в авторском тексте о культурном событии
– Судебное производство как метафора универсальной рецензии или «Работают ли критики оценщиками в городском ломбарде»
– Новые медиа и старые форматы
– Языковые штампы. Как их извести и для чего они нужны
– «Свобода и несвобода»: что такое жесткий формат и как согласуется с ним авторская индивидуальность
– Правила профессии: существует ли кодекс чести, что можно и чего нельзя в тексте и в жизни
– Культуртрегерская, информационная, аналитическая, лирическая позиция в критике и журналистике. Текст как разговор единомышленников, крик души, экспертиза, салон, новостной обмен или PR
– Культурная журналистика и профессиональная критика между заказчиками и источниками. Государство, спонсор, театр, публика, издатель, читатель — кто в действительности ужинает девушку и читает текст
– Новая критика и журналистика в специализированных изданиях, СМИ общего профиля, глянцевых журналах и социальных сетях. Стилистический эксперимент
– Что должен и чего может не знать журналист о событии и предмете. Границы компетенции, аранжировка незнания и работа с источниками
– Профессиональный инструментарий: непонятные слова, термины и риторические фигуры в журналистском и критическом тексте или «Нельзя не отметить, что репрезентация данного симулякра с неизменным успехом производит на публику неизгладимое впечатление своим тремоло литавр»
– Ангажированность и независимость. Как в зависимости от позиции автора меняется текст
– Критика и журналистика между индивидуальным творчеством и массовым ремеслом. Уметь или быть.

В сотрудничестве с Союзом театральных деятелей РФ

Расписание:
Занятия проводятся по субботам 25 февраля, 4, 11, 18, 25 марта, 1, 8, 15, 22, 29 апреля с 13.00 до 17.00

Обучение бесплатное.

Курс для молодых режиссеров и художников, интересующихся визуальным театром

Термин visual theatre определяет широкий спектр театральных произведений, главное в которых – визуальная составляющая, «картинка», а не история, взаимоотношения персонажей и т.п. Существует множество спектаклей, уходящих от прямого нарратива и построенных на ярких визуальных метафорах, которые соединяются ассоциативно, а не сюжетно, где логическая связь между эпизодами осуществляется скорее в сознании зрителей, чем на сцене. В них особенно важно зрительское впечатление, предшествующее анализу, а множественность трактовок тут входит в условия игры.

Визуальный театр существует на границе жанров, соединяя драму и цирк, физический, танцевальный театр – с видео- и медиа технологиями, особый «театр художника» – с театром-квестом, грубоватыми уличными представлениями, кукольным и предметным театром, а вместе с тем – с разнообразными арт-практиками от перформанса до инсталляций (уже есть термин «театр-инсталляция», обозначающий постановку, где может и вовсе не быть актеров) и всевозможными видами концертов и музыкального театра.

Визуальный театр, как правило – авторский. Постановщик может быть одновременно и автором сценария, и художником и даже композитором. При исследовании визуального театра важен комплексный подход, а программа преподавания визуального театра должна быть как можно более разнообразной и открытой новому.

Двухмесячный курс лаборатории «Визуальный театр» построен как ряд учебных уикендов, разделенных на тематические блоки, каждым из которых руководил свой мастера. Блок состоял из лекций, показов, практических мастер-классов, разборов и студии для самостоятельных репетиций. При этом каждый мастер-класс был посвящен знакомству с авторским способом работы мастера.

25 апреля состоялась Итоговая презентация лаборатории – альманах, состоящий из бессловесных визуальных мини-спектаклей выпускников лаборатории, созданных по мотивам романа «Дон Кихот».