Посты автора iftmoderator

iftmoderator

iftmoderator

Ищем актеров для создания спектакля по современной драматургии

Опубликовано: 25.04.2017 в 18:40

Автор:

Категории: Ярмарка проектов

Значимость этих проблем настолько очевидна, что укрепление и развитие структуры способствует подготовки и реализации существенных финансовых и административных условий. С другой стороны рамки и место обучения кадров требуют определения и уточнения систем массового участия. Разнообразный и богатый опыт реализация намеченных плановых заданий представляет собой интересный эксперимент проверки позиций, занимаемых участниками в отношении поставленных задач. Равным образом реализация намеченных плановых заданий в значительной степени обуславливает создание дальнейших направлений развития. Не следует, однако забывать, что дальнейшее развитие различных форм деятельности требуют определения и уточнения новых предложений.

Товарищи! начало повседневной работы по формированию позиции способствует подготовки и реализации дальнейших направлений развития. Не следует, однако забывать, что новая модель организационной деятельности обеспечивает широкому кругу (специалистов) участие в формировании модели развития.

Летняя лаборатория актерского искусства

Опубликовано: 25.04.2017 в 17:57

Автор:

Категории: Ярмарка проектов

Товарищи! консультация с широким активом позволяет оценить значение существенных финансовых и административных условий. Не следует, однако забывать, что новая модель организационной деятельности требуют от нас анализа направлений прогрессивного развития. Равным образом рамки и место обучения кадров требуют от нас анализа позиций, занимаемых участниками в отношении поставленных задач. Не следует, однако забывать, что начало повседневной работы по формированию позиции влечет за собой процесс внедрения и модернизации направлений прогрессивного развития. Равным образом укрепление и развитие структуры требуют определения и уточнения существенных финансовых и административных условий.

Разнообразный и богатый опыт новая модель организационной деятельности в значительной степени обуславливает создание системы обучения кадров, соответствует насущным потребностям. Не следует, однако забывать, что постоянный количественный рост и сфера нашей активности обеспечивает широкому кругу (специалистов) участие в формировании модели развития. Значимость этих проблем настолько очевидна, что новая модель организационной деятельности требуют от нас анализа новых предложений. Идейные соображения высшего порядка, а также реализация намеченных плановых заданий представляет собой интересный эксперимент проверки дальнейших направлений развития. Таким образом постоянное информационно-пропагандистское обеспечение нашей деятельности представляет собой интересный эксперимент проверки модели развития.

Музыкальное либретто для уличного театра

Опубликовано: 25.04.2017 в 16:46

Автор:

Категории: Ярмарка проектов

Не следует, однако забывать, что реализация намеченных плановых заданий требуют определения и уточнения систем массового участия. Значимость этих проблем настолько очевидна, что сложившаяся структура организации влечет за собой процесс внедрения и модернизации новых предложений. Повседневная практика показывает, что консультация с широким активом позволяет оценить значение дальнейших направлений развития.

Таким образом реализация намеченных плановых заданий влечет за собой процесс внедрения и модернизации форм развития. Значимость этих проблем настолько очевидна, что сложившаяся структура организации требуют определения и уточнения существенных финансовых и административных условий. Товарищи! реализация намеченных плановых заданий требуют от нас анализа новых предложений. Задача организации, в особенности же консультация с широким активом в значительной степени обуславливает создание позиций, занимаемых участниками в отношении поставленных задач. Задача организации, в особенности же постоянное информационно-пропагандистское обеспечение нашей деятельности требуют определения и уточнения направлений прогрессивного развития.

Лоран Илер: Современная хореография в балетной труппе. Опыт танцовщика и худрука

Опубликовано: 21.04.2017 в 17:13

Автор:

Категории: События

Современная балетная компания не может существовать без современной хореографии, без работы над современной техникой, современным танцем, с современными хореографами. Кажется, что это требование усвоено во всех ведущих мировых балетных компаниях. Степень открытости по
отношению к современной хореографии зависит от позиции менеджмента компании, но не влияет на принцип. Одновременно современный танец принципиально отворачивается от балетной эстетики, используя его в лучшем случае как физическую подготовку.

Роман балета и современного танца складывается драматично и, кажется, в реальности еще более драматично, чем может наблюдать зритель.

Зачем классической труппе ставить современную хореографию? Какие задачи решает труппа – художественные, рыночные, образовательные, технические? Можно ли эти задачи решать без обращения к современному танцу?

Есть ли какие-то пределы радикальности хореографии, которую танцует классическая труппа? Что делать с классической техникой? Страдает ли классический танец в результате работы труппы над современной хореографией? Как реагирует балетное тело? Увеличивается ли риск травм?

Можно ли сравнивать работу танцовщика в балете и современном танце?

Разобраться с сюжетом нам поможет Лоран Илер – легендарный танцовщик, этуаль Парижской оперы, и теперь художественный руководитель балетной труппы Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. Г-н Илер всегда был воплощением danseur noble, идеальным исполнителем «принцевых» партий. И однако, его репертуар включает хореографию Каннингема, Килиана, Форсайта, Прельжокажа, де Кеерсмакер. И в качестве руководителя балетной компании Лоран Илер возвращается к современной хореографии как элементу художественной политики театра.

Появилась видеозапись дискуссии «Границы спектакля»

Опубликовано: 18.04.2017 в 01:10

Автор:

Категории: Новости

У нас появилась видеозапись дискуссии «Границы спектакля. Где располагается спектакль сегодня?», которая состоялась 1 апреля в программе Академических разговоров.

В дискуссии приняли участие Борис Юхананов, Михаил Бычков, Клим, Всеволод Лисовский, Дмитрий Волкострелов, Ксения Перетрухина и Сергей Невский. Если вы не смогли прийти на встречу, у вас есть отличная возможность восполнить этот пробел.

 

Призрак экспертизы. Как осуществлять художественную экспертизу в культурной ситуации нашего времени

Опубликовано: 17.04.2017 в 01:43

Автор:

Категории: События

Совместно с Государственным музеем изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

Открытые лекции и круглый стол

Экспертиза и эксперты оказались в опасности. Художественная экспертиза, в первую очередь. Если статус эксперта в бизнесе и государственном управлении (экономиста, юриста, политолога и т.д.), кажется, не подвергается сомнению, то художественная экспертиза все время вынуждена доказывать свое право голоса. Год назад тема экспертизы приобрела новую актуальность в связи с острыми дискуссиями вокруг современного театра и театральной экспертизы.

Может быть, такое напряжение возникает потому, что поле деятельности и критерии эксперта в области искусства не четко определены. Или это публичное переживание того, что в других областях экспертного знания происходит подспудно и незаметно? Или это следствие того, что экспертиза выходит на поле политической борьбы? Причины требуют диагностики.

Но при этом нужно ответить и на вопрос, возможен ли адекватный художественный процесс без экспертизы и фигуры эксперта. Может ли на себя взять функцию художественного анализа, объяснения и прогнозирования – дилетант или государство, или рынок? И почему те же самые инстанции не сомневаются в необходимости обратиться к дизайнеру даже для оформления корпоратива? И можно ли жить в ситуации, когда анализом Айвазовского или Вермеера займется эксперт в области фотографии? Но и возможна ли экспертиза, особенно экспертиза классических и традиционных форм и жанров, вне контекста современности? А если экспертиза, узкое знание все же необходимо, как организовывать его возникновение и его применение.

Чем определяется кризис художественной экспертизы? Не является ли он следствием ситуации, когда ставится под сомнение автономия художника, и как следствие, ее агент – эксперт. Если автономия нарушается, то интересы чиновника или рынка выдаются за интересы народа. И тогда соответствующие институции сами делают выбор или обращаются к дилетантскому мнению. Сохраняет ли эксперт свой статус коммуникатора между обществом, государством и искусством и что его обеспечивает?

Возможна ли вообще художественная экспертиза в ситуации войны критериев? Ведь именно в экспертизе формируются критерии. Многочисленные премии и конкурсы, запрос на которые все выше, девальвируют качество экспертизы. Нельзя ли с помощью института экспертов снять раскол общества? Стала ли художественная экспертиза следом, тенью самой себя или она обещает новое явление. Об этом пойдет речь в специальной программе Института театра.

Программа:

17 апреля

Цикл семинаров лекций/семинаров:

12.00–13.20 Борис Юхананов (Электротеатр Станиславский) Экспертиза и война критериев. Что может обеспечить эксперту его статус коммуникатора.

13.30–14.50 Виктор Мизиано (независимый куратор) Цена и ценности. О художественной экспертизе в современном искусстве.

15.00–16.20 Олег Аронсон (Институт философии РАН) Современное искусство: мир без эксперта.

18 апреля

16.00–19.00

Круглый стол: Призрак экспертизы. Как осуществлять художественную экспертизу в культурной ситуации нашего времени

Темы: Контекст художественной экспертизы. Определение статуса и перспектив. Определение запроса на экспертизу. Возможность универсальных критериев экспертизы.

Модераторы: Алена Карась, Олег Аронсон

Призрак экспертизы. Как осуществлять художественную экспертизу в культурной ситуации нашего времени

Опубликовано: 17.04.2017 в 01:31

Автор:

Категории: События

Совместно с Государственным музеем изобразительных искусств им. А.С. Пушкина

Открытые лекции и круглый стол

Экспертиза и эксперты оказались в опасности. Художественная экспертиза, в первую очередь. Если статус эксперта в бизнесе и государственном управлении (экономиста, юриста, политолога и т.д.), кажется, не подвергается сомнению, то художественная экспертиза все время вынуждена доказывать свое право голоса. Год назад тема экспертизы приобрела новую актуальность в связи с острыми дискуссиями вокруг современного театра и театральной экспертизы.

Может быть, такое напряжение возникает потому, что поле деятельности и критерии эксперта в области искусства не четко определены. Или это публичное переживание того, что в других областях экспертного знания происходит подспудно и незаметно? Или это следствие того, что экспертиза выходит на поле политической борьбы? Причины требуют диагностики.

Но при этом нужно ответить и на вопрос, возможен ли адекватный художественный процесс без экспертизы и фигуры эксперта. Может ли на себя взять функцию художественного анализа, объяснения и прогнозирования – дилетант или государство, или рынок? И почему те же самые инстанции не сомневаются в необходимости обратиться к дизайнеру даже для оформления корпоратива? И можно ли жить в ситуации, когда анализом Айвазовского или Вермеера займется эксперт в области фотографии? Но и возможна ли экспертиза, особенно экспертиза классических и традиционных форм и жанров, вне контекста современности? А если экспертиза, узкое знание все же необходимо, как организовывать его возникновение и его применение.

Чем определяется кризис художественной экспертизы? Не является ли он следствием ситуации, когда ставится под сомнение автономия художника, и как следствие, ее агент – эксперт. Если автономия нарушается, то интересы чиновника или рынка выдаются за интересы народа. И тогда соответствующие институции сами делают выбор или обращаются к дилетантскому мнению. Сохраняет ли эксперт свой статус коммуникатора между обществом, государством и искусством и что его обеспечивает?

Возможна ли вообще художественная экспертиза в ситуации войны критериев? Ведь именно в экспертизе формируются критерии. Многочисленные премии и конкурсы, запрос на которые все выше, девальвируют качество экспертизы. Нельзя ли с помощью института экспертов снять раскол общества? Стала ли художественная экспертиза следом, тенью самой себя или она обещает новое явление. Об этом пойдет речь в специальной программе Института театра.

Программа:

17 апреля

Цикл семинаров лекций/семинаров:

12.00–13.20 Борис Юхананов (Электротеатр Станиславский) Экспертиза и война критериев. Что может обеспечить эксперту его статус коммуникатора.

13.30–14.50 Виктор Мизиано (независимый куратор) Цена и ценности. О художественной экспертизе в современном искусстве.

15.00–16.20 Олег Аронсон (Институт философии РАН) Современное искусство: мир без эксперта.

18 апреля

16.00–19.00

Круглый стол: Призрак экспертизы. Как осуществлять художественную экспертизу в культурной ситуации нашего времени

Темы: Контекст художественной экспертизы. Определение статуса и перспектив. Определение запроса на экспертизу. Возможность универсальных критериев экспертизы.

Модераторы: Алена Карась, Олег Аронсон

В Москву приезжает директор фестиваля в Эксе-ан-Провансе Бернар Фокруль,

Опубликовано: 17.04.2017 в 01:19

Автор:

Категории: Новости

Академические разговоры Института театра продолжатся и после 19 апреля.
В Москву приезжает директор фестиваля в Эксе-ан-Провансе Бернар Фокруль, и мы не могли не поговорить с ним.
Фестиваль в Эксе производит потрясающие оперные спектакли, отважно работает с самым традиционным театральным жанром, создает суперзвезд, у фестиваля отличный менеджмент — он вводит актуальные форматы и бизнес-модели.
Приходите в Музыкальный театр Станиславского и Немировича-Данченко, и вы узнаете, что такое крутой театральный фестиваль сегодня.

Бернар Фокруль: Фестиваль XXI века, цели и задачи.

Опубликовано: 17.04.2017 в 01:01

Автор:

Категории: События

Как сделать театральный фестиваль градообразующим предприятием и (или) агентом культурной политики.

История музыкального фестиваля в Экс-ан-Провансе кажется волшебной сказкой о том, как великое оперное искусство преобразовало регион, стало чуть ли не главным фактором развития города, вышло за традиционные кастовые границы, отправилось в путешествие в самые далекие от европейской культуры отсеки земного шара и при этом постоянно подтверждает исключительную художественную актуальность жанра. Экс последнего десятилетия ставит под вопрос образ фестиваля – в первую очередь музыкального фестиваля – как изысканного развлечения для курортной публики или для местной буржуазии. Экс задает тенденции не только для фестивалей, но и для институциональных театров. И шире – тенденции развития сценических видов искусства. Экс создает звезд, создает форматы – форматы художественные и деловые, создает публику, наконец.

Этот феномен неразрывно связан с именем Бернара Фокруля, директора фестиваля в Экс-ан-Провансе с 2007 года.
Г-н Фокруль приезжает в Москву с двумя спектаклями Кэти Митчелл, поставленными на фестивале в Экс-ан-Провансе, которые будут показаны в Большом театре.
Бернар Фокруль станет героем следующего Академического разговора, организованного Институтом театра, образовательным проектом Фестиваля «Золотая Маска» при поддержке Музыкального театра им К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко, Большого театра, Французского института при Посольстве Франции в Москве.

Бернар Фокруль расскажет участникам встречи о том, что значит фестиваль в XXI веке, какие задачи стоят перед фестивалем и как их решать.
Как взаимодействовать со всеми участниками процесса, начиная с государства, спонсоров, и заканчивая публикой, особенно неангажированной публикой?
Как формировать афишу и как договариваться со звездами? Или не договариваться.
Нужна ли фестивалю своя площадка? И не превращается ли при этом фестиваль в театр?
Как (и можно ли) сохранять свободу решений под финансовым давлением государства, спонсоров, кассы и пр.?
Почему фестиваль может быть или может стать адекватным механизмом культурной политики? И какие задачи он позволяет решать?
Как сочетать глобализм и интересы локальных сообществ при формировании международной деятельности фестиваля?

Почерк

Опубликовано: 13.04.2017 в 00:50

Автор:

Категории: Лаборатории

«Почерк» – это долгосрочный проект, состоящий из лаборатории и практикума, в которых молодые дизайнеры и представители российских театров совместно разрабатывают новый визуальный образ шести российских театров средствами графического дизайна. Идея проекта заключается в создании актуального визуального облика российского театра, который соответствовал бы новому пониманию его миссии и роли в городе. Мы рассчитываем на реализацию проектов в театрах – партнерах проекта. В декабре работу проекта подытожат выставка авторских проектов в Центре им. Мейерхольда и выход в печать книги о современном дизайне театров на основе работ участников проекта.

Этапы проекта:

Конкурс молодых дизайнеров: до 12 апреля
Лаборатория театрального дизайна (курс лекций о месте театра в современном городе, маркетинге исполнительских искусств, семинары по выработке миссии театра): 18 апреля – 20 апреля 2013
Экспедиция участников в выбранные театры и работа над авторским проектом: 23 апреля – 1 октября
Работа по подготовке к выставке и изданию книги: 1 октября – 15 декабря
Выставка и презентация книги: 15 декабря

Участники:
Молодые (до 35 лет) дизайнеры и шесть театров в лице художественного руководителя, сотрудника по работе со зрителями, pr-менеджера, заведующего литературной частью. (Дизайнеры отбираются на конкурсной основе.)
Театры – партнеры программы, которые имеют намерение реализовать план ребрендинга, выработанный в рамках проекта.

Проект входит в программу «Институт театра», организованную в рамках «Школы театрального лидера» при поддержке Департамента культуры города Москвы.

Партнер проекта — Союз театральных деятелей России

Информационный партнер проекта — журнал «КАК»

Театральный класс

Опубликовано: 13.04.2017 в 00:46

Автор:

Категории: Лаборатории

Мастер-класс театральной педагогики (ведет Клаудиа Майер, Германия) и обширная программа по интеграции театра и средней школы, включающая комплекс мероприятий, которые обрамляют поход школьного класса на спектакль. Программа включает подготовку школьника к восприятию искусства театра и создание универсальной методики работы. Проект реализуется театральными педагогами и преподавателями московских школ. Планируется применение методики в регионах страны. При поддержке Немецкого культурного центра им. Гете.

Мастер-класс по стендап-комедии

Опубликовано: 12.04.2017 в 23:48

Автор:

Категории: Лаборатории

Два года в Центре им. Вс. Мейерхольда работает «Мастерская сторителлинга» – группа свободных актеров, режиссеров, драматургов и других театральных деятелей, объединенных одной целью – найти новый язык общения со зрителями, сделать коммуникацию произведением искусства. Эта группа непрерывно совершенствуется, обучаясь у западных артистов, российских хореографов, драматургов, бизнес-сторителлеров, режиссеров. Результаты своего труда мастерская показывает на «Фестивалях историй» в московских парках и совершенно бесплатно: искусство застает зрителя там, где его никто не ожидает. Сегодня артисты мастерской осваивают новый жанр – демократическое искусство стендап-комедии, искусство быть откровенным, говорить от своего лица, отстаивать свой взгляд на мир – и быть при этом не пафосным, а смешным. 22 марта на театральной площадке в парке «Аптекарский огород» они выступят со своими тренерами – Кириллом Сиэтловым и Алексеем Квашонкиным, а так же американским комиком Джерри Корли, который до этого проведет в ЦИМе трехдневный мастер-класс.

Двухдневный семинар и круглый стол. посвященный проблеме экспертизы, пройдут с 17 по 18 апреля

Опубликовано: 11.04.2017 в 16:28

Автор:

Категории: Новости

Долгожданный анонс, как нам кажется, самого важного события программы Института театра. Два дня 17 и 18 апреля в Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина посвящены серьезному разговору о художественной экспертизе в современной культуре — не только в театре. 17 апреля лекции, 18 апреля — круглый стол.
Марина Лошак, Мария Ревякина, Борис Юхананов, Марина Давыдова, Алена Карась, Филипп Дзядко, Илья Ценципер, Виктор Мизиано, Михаил Ратгауз.

Друзья! нам очень важно участие заинтересованной аудитории. Пожалуйста обратите внимание — вход только по регистрации.

Призрак экспертизы. Как осуществлять художественную экспертизу в культурной ситуации нашего времени

Опубликовано: 09.04.2017 в 23:04

Автор:

Категории: Лаборатории

Открытые лекции и круглый стол

Вход свободный по регистрации

Экспертиза и эксперты оказались в опасности. Художественная экспертиза, в первую очередь. Если статус эксперта в бизнесе и государственном управлении (экономиста, юриста, политолога и т.д.), кажется, не подвергается сомнению, то художественная экспертиза все время вынуждена доказывать свое право голоса. Год назад тема экспертизы приобрела новую актуальность в связи с острыми дискуссиями вокруг современного театра и театральной экспертизы.

Может быть, такое напряжение возникает потому, что поле деятельности и критерии эксперта в области искусства не четко определены. Или это публичное переживание того, что в других областях экспертного знания происходит подспудно и незаметно? Или это следствие того, что экспертиза выходит на поле политической борьбы? Причины требуют диагностики.

Но при этом нужно ответить и на вопрос, возможен ли адекватный художественный процесс без экспертизы и фигуры эксперта. Может ли на себя взять функцию художественного анализа, объяснения и прогнозирования – дилетант или государство, или рынок? И почему те же самые инстанции не сомневаются в необходимости обратиться к дизайнеру даже для оформления корпоратива? И можно ли жить в ситуации, когда анализом Айвазовского или Вермеера займется эксперт в области фотографии? Но и возможна ли экспертиза, особенно экспертиза классических и традиционных форм и жанров, вне контекста современности? А если экспертиза, узкое знание все же необходимо, как организовывать его возникновение и его применение.

Чем определяется кризис художественной экспертизы? Не является ли он следствием ситуации, когда ставится под сомнение автономия художника, и как следствие, ее агент – эксперт. Если автономия нарушается, то интересы чиновника или рынка выдаются за интересы народа. И тогда соответствующие институции сами делают выбор или обращаются к дилетантскому мнению. Сохраняет ли эксперт свой статус коммуникатора между обществом, государством и искусством и что его обеспечивает?

Возможна ли вообще художественная экспертиза в ситуации войны критериев? Ведь именно в экспертизе формируются критерии. Многочисленные премии и конкурсы, запрос на которые все выше, девальвируют качество экспертизы. Нельзя ли с помощью института экспертов снять раскол общества? Стала ли художественная экспертиза следом, тенью самой себя или она обещает новое явление. Об этом пойдет речь в специальной программе Института театра.

Программа:

17 апреля

Цикл семинаров лекций/семинаров:

12.00–13.20 Борис Юхананов (Электротеатр Станиславский) Экспертиза и война критериев. Что может обеспечить эксперту его статус коммуникатора.

13.30–14.50 Виктор Мизиано (независимый куратор) Цена и ценности. О художественной экспертизе в современном искусстве.

15.00–16.20 Олег Аронсон (Институт философии РАН) Современное искусство: мир без эксперта.

 

18 апреля

16.00–19.00

Круглый стол: Призрак экспертизы. Как осуществлять художественную экспертизу в культурной ситуации нашего времени

Темы: Контекст художественной экспертизы. Определение статуса и перспектив. Определение запроса на экспертизу. Возможность универсальных критериев экспертизы.

Модераторы: Алена Карась, Олег Аронсон

 

Вход свободный по регистрации

Профориентация 2.0. Театральная критика – между старыми навыками и новыми площадками

Опубликовано: 09.04.2017 в 00:34

Автор:

Категории: Лаборатории

Серия профессиональных семинаров.

Профессиональная подготовка театральных критиков и экспертов всегда находилась в центре внимания Института театра, который каждый год проводил практическую лабораторию для критиков того или иного жанра театра. Целью лаборатории было формирование нового поколения критиков и исследователей театра. 2015 год оказался исключительно важным для профессии – театральные критики объединились в ассоциацию и стали активно влиять на культурные процессы. Эти события, новая роль и новые возможности театрального критика стали предметом серии профессиональных семинаров Ассоциации театральных критиков и Ассоциации музыкальных критиков, организованных в рамках Института театра. Какие практические возможности открыты молодым театральным критикам? Эти новые возможности, новые позиции критика в театральном процессе нужно, во-первых, обнаружить, и, во-вторых, освоить. Критик как аналитик, как продюсер, как историк современности, как культуртрегер, как один из создателей спектакля: перспективы профессии в сегодняшней реальности.

Образование в сфере современной хореографии в России и за ее пределами

Опубликовано: 06.04.2017 в 16:19

Автор:

Категории: События

В 2015 году Институт театра запустил лабораторию современного танца и перформанса СОТА (куратор Дина Хусейн) – первую долгосрочную программу обучения искусству хореографии в Москве.

На круглом столе преподаватели СОТА и их зарубежные коллеги обсудили следующие темы:

  • Где сегодня учиться современной хореографии?  Особенности образования в этой сфере: какие цели оно преследует и какими средствами пользуется? Анализ и обсуждение уже существующих образовательных учреждений.
  • Каков контекст обучения искусству современной хореографии в России?  Почему российские танцовщики и хореографы предпочитают учиться и работать за рубежом?
  • Как организована инфраструктура и обмен информацией в этой области в России и за границей?
  • Современная хореография и современное искусство. Какова связь между современным танцем и другими областями искусства? Как, зачем и почему следует ее поддерживать?
  • Каков баланс между творческой автономией и образованием? Роль и место «студента» сегодня в процессе образования.
  • Сообщество современного танца. Что это такое? Какие формы оно может принимать? Его задачи и роль в образовательных процессах.

 

В дискуссии участвовали:

  • хореограф, куратор лаборатории СОТА Дина Хусейн и преподаватели лаборатории СОТА Анна Абалихина, Ольга Цветкова, Соня Левин, Андрей Стадников, Вита Хлопова;
  • художник, куратор лаборатории СОТА, куратор программы «Театральный дизайн» Британской высшей школы дизайна Галя Солодовникова;
  • художник и со-куратор программы «Театральный дизайн» Британской высшей школы дизайна Полина Бахтина;
  • хореограф, куратор магистерской программы «Научно-творческая лаборатория композиции современных форм танца» в Академии русского балета имени А.Я. Вагановой Татьяна Гордеева;
  • координатор программы по развитию российско-финского сотрудничества в сфере современного танца, сотрудник Dance Info Finland Анастасия Тризна;
  • руководитель танцевальной программы North Karelia College Outokumpu Улла Мякинен (Финляндия);
  • художественный руководитель Routa Company Кира Рииконен (Финляндия);
  • сотрудник театрального музея Kiasma Микаел Аалтонен (Финляндия).

 

«Новые площадки = театр + ?»

Опубликовано: 06.04.2017 в 15:56

Автор:

Категории: События

Круглый стол о современных театрах как центрах междисциплинарного культурного развития

В последние годы в Москве, Санкт-Петербурге, других городах страны создаются новые театры, которые выходят за привычные рамки театральной деятельности. Такие площадки открывают двери для различных культурных проектов – выставок актуального искусства, концертов современной музыки, лекций важнейших теоретиков культуры, мастер-классов крупных художников, для книжных магазинов с отборной литературой и кафе с вкусной едой.

Новые площадки доступны для горожан в любое время дня – прийти сюда и участвовать в разговоре может любой. Они ведут просветительскую деятельность и одновременно становятся дискуссионными платформами для профессионального сообщества.

Кажется, появление подобных культурных центров городской жизни является ответом за запрос времени и общества. Но почему именно театры принимают на себя эту роль? Как новая жизнь театра отражается на его «родовых» свойствах? Как совмещаются и взаимно влияют друг на друга разные потоки творческих активностей?

В обсуждении вопросов, связанных с настоящим и будущим театров открытых дверей участвовали: художественный руководитель Электротеатра «Станиславский» Борис Юхананов, главный режиссер Новой сцены Александринского театра Марат Гацалов и заместитель главного режиссера Новой сцены Александринского театра Дмитрий Ренанский, художественный руководитель Центра им. Вс. Мейерхольда Виктор Рыжаков и арт-директор Центра им. Вс. Мейерхольда Елена Ковальская, художественный руководитель Воронежского Камерного театра Михаил Бычков.

 

Хайнер Геббельc — Борис Юхананов: Критика репрезентации

Опубликовано: 06.04.2017 в 15:11

Автор:

Категории: События

”It’s beautiful here, my eyes can wander, I’m alone with my thoughts”

Критика репрезентации и нарративности в театре

Хайнер Геббельс – немецкий композитор и режиссер, лауреат премии «Европа – театру» в номинации «Новая театральная реальность». В Москве гастролировали его спектакли «Хаширигаки» (2001), «Черное на белом» (2004), «Эраритжаритжака» (2005), «Вещь Штифтера» (2013).

Борис Юхананов – российский режиссер, педагог, теоретик театра, создатель Мастерской индивидуальной режиссуры (МИР), с 2013 года – художественный руководитель Электротеатра Станиславский.

В ноябре 2014 года Хайнер Геббельс выступил в Электротеатре с лекцией «О полифонии театра» – о разных способах нелинейного повествования. 20 и 21 марта 2015 года в рамках программы «Контекст» фестиваль «Золотая Маска» показывает спектакль Хайнера Геббельса «Когда гора сменила свой наряд» (копродукция фестиваля «Руртриеннале» и вокального театра «Кармина Словеника»). Осенью 2015 года Электротеатр «Станиславский» выпускает спектакль Хайнера Геббельса «Макс Блэк, или 62 способа подпереть голову рукой» – первую оригинальную постановку режиссера в России.

Хайнер Геббельс и Борис Юхананов встретятся для того, чтобы обсудить принципиальные для современного театра вопросы репрезентации и нарративности.

Дмитрий Курляндский – Теодор Курентзис: диалог о новой музыке и театре

Опубликовано: 06.04.2017 в 14:24

Автор:

Категории: События

Дмитрий Курляндский – композитор, музыкальный руководитель и один из идеологов Электротеатра. Дирижер Теодор Курентзис возглавляет Пермский театр оперы и балета им. П.И. Чайковского. В 2015 году на премию «Золотая Маска» была номинирована опера Курляндского «Носферату», поставленная в Перми, – первый масштабный опыт «синтетического искусства» на отечественной оперной сцене.

Диалогу двух ключевых персонажей современной российской композиторской сцены –об искусстве организации времени и пространства, а также – о сложностях работы «быть зрителем и слушателем» современного искусства.

Границы спектакля. Где располагается сегодня спектакль?

Опубликовано: 01.04.2017 в 01:01

Автор:

Категории: Медиа

Дискуссия

Участвуют: Борис Юхананов, Михаил Бычков, Клим, Всеволод Лисовский, Дмитрий Волкострелов, Ксения Перетрухина, Сергей Невский

Современный театр каждый день получает все новые обозначения, более или менее звонкие. И создает все новые формы, противоречиво соотносящиеся с традиционным театром.
Анализ этих форм предполагает, что определен предмет – что такое театр? Что является театром, а что нет, где речь идет о спектакле, а где о выставке. Но как раз границы спектакля – временные, пространственные, структурные, архитектурные – становятся все более проблематичными. И требуют немедленного обсуждения. С позиций теории – и практики.

Андрей Могучий — Борис Юхананов: О режиссуре

Опубликовано: 31.03.2017 в 00:01

Автор:

Категории: События

«Школа современного зрителя и слушателя» в Электротеатре Станиславский совместно с Институтом театра представляет встречи с участниками фестиваля «Золотая Маска» 2016 года.

Разговор с Андреем Могучим, худруком театра с 2013 года, спровоцирован не столько «высоким» показателем признания профессионального сообщества, сколько уникальностью режиссера и всегдашним интересом к тому, что он делает и говорит. И во времена радикальных практик Формального театра 1990-х годов, и знаменитой «Школы для дураков» по Саше Соколову в «Балтийском доме», и визионерских опытов на главной сцене Александринки, и лаборатории ТПАМ, где Могучий осваивал новые технологии сочинения театра – да все эти 25 лет он был «атомной станцией», снабжающей российский театр энергией и, на самом деле, свободой. Участвующие в «масочном» конкурсе «Пьяные» по пьесе Ивана Вырыпаева – такой вот пример свободного разговора о настоящем времени, внутри которого новый имморализм сражается с поиском себя, нетрезвого, то есть спокойного и искреннего.

Что сегодня становится актуальной темой для Могучего, ведущего в БДТ сложную и комплексно устроенную политику, не ограничивающуюся одним репертуаром, где лежат его интересы в области искусства, какие стратегии он обдумывает, – все возможные вопросы можно будет задать впрямую. Человеку, который умеет прямо на вопросы отвечать.

Семен Александровский — Роман Феодори: Новый бродячий театр. Зачем театру недвижимость

Опубликовано: 30.03.2017 в 23:50

Автор:

Категории: События

«Школа современного зрителя и слушателя» совместно с Институтом театра представляет встречи с участниками фестиваля «Золотая Маска» 2016 года — режиссерами Семеном Александровским и Романом Феодори.

Два молодых режиссера: одно поколение, одна школа, две разные дороги в профессии. Один работает в стационарных театрах и возглавляет один из таких; другой – сотрудничает с независимыми институциями и сам создает такие. Что ими движет, и за чем будущее в современном российском театре?

Семен Александровский окончил режиссерский факультет СПбГАТИ (курс Льва Додина). Был актером в МДТ – Театре Европы. Ставил современные пьесы в Барнауле, Прокопьевске, Канске, Красноярске; в независимом петербургском Театре «Рost» совместно с Дмитрием Волкостреловым сделал проект «Shoot/Get Treasure/Repeat» Марка Равенхилла. Участвовал в проекте “Группы юбилейного года” в Театре на Таганке: «Радио Таганка» и «Присутствие». В 2015 вместе с Волкостреловым стал одним из основателей «Pop-up театра» в Санкт-Петербурге, в котором поставил спектакль «Топливо» по пьесе Евгения Казачкова (участник программы «Маска Плюс» фестиваля «Золотая Маска»-2016).

Роман Феодори — выпускник режиссерского факультета СПбГАТИ (курс Геннадия Тростянецкого). Ставил (как правило, зарубежную классику) в Санкт-Петербурге, Выборге, орловском театре «Свободное пространство», Таллинне, Твери, Южно-Сахалинске. Делал документальные проекты в Алтайском театре драмы и Красноярском ТЮЗе. С 2011 главный режиссер Красноярского ТЮЗа. В Москве идут его «Укрощение строптивой» (Театр Наций) и «Трамвай «Желание» (МХТ им. А.П. Чехова).

Номинировался на «Золотую Маску»: в 2012 за спектакль «Мамаша Кураж и ее дети» (Алтайский театр драмы, спецприз жюри); в 2014 за «Снежную королеву» в Красноярском ТЮЗе; в 2013 участвовал в программе «Новая пьеса» с документальным спектаклем «Подросток с правого берега» (Красноярский ТЮЗ). В конкурсе 2016 года — «Алиsа» Красноярского ТЮЗа (Феодори — художественный руководитель постановки), а в программе Детский Weekend — поставленная им в Екатеринбургском ТЮЗе «Русалочка».

Татьяна Баганова — АХЕ: Художник vs хореограф. Кто кому мешает на сцене?

Опубликовано: 30.03.2017 в 16:31

Автор:

Категории: События

«Школа современного зрителя и слушателя» совместно с Институтом театра представляет встречи с участниками фестиваля «Золотая Маска» 2016 года.

Как происходит взаимодействие хореографа и современного художника на территории театра? Почему тот, кто сочиняет движение тела, нуждается в диалоге с теми, кто занят движением предметов и фактур и конструированием пространства?
Разговор о танце и художнике ведет критик Дина Годер, куратор лаборатории «Визуальный театр» Института театра. Во встрече примут участие хореограф Татьяна Баганова, художники Павел Семченко и Максим Исаев (АХЕ).

 

Презентация итогов мастер-класса «Levée des conflits»

Опубликовано: 29.03.2017 в 22:18

Автор:

Категории: События

Мастер-класс, посвященный постановке Бориса Шармаца «Levée des conflits». Мастер-класс ведет Матье Бюрнер, один из танцовщиков «Музея танца» в Ренне и исполнителей «Levée des conflits», танцовщик, хореограф, саунд-дизайнер, работающий во Франции и в Германии.

Публичный показ результатов мастер-класса 27 апреля в 19.00 в Пространстве перформативных практик. Мастер-класс «Levée des conflits» проводится при поддержке Французского института при Посольстве Франции в России. Институт театра выражает благодарность Пространству перформативных практик за помощь в проведении мастер-класса.

Театральная педагогика

Опубликовано: 27.03.2017 в 23:50

Автор:

Категории: Лаборатории

Театральная педагогика – один из инструментов для эффективной работы по повышению качества зрительской аудитории, в том числе со школами и с классами. Вы можете превратить этот зрительский сегмент из порой неуправляемой толпы в увлеченную, открытую для восприятия аудиторию, в «своего» зрителя. Театральная педагогика позволяет научить ребенка понимать и любить театр, открыть в себе талант зрителя, подготовить аудиторию к восприятию спектакля. Театральным педагогом может стать любой сотрудник, который любит театр, любит и умеет общаться с людьми, имеет для этого некоторое время, поверьте, его потребуется не так уж много. Это может быть завлит, сотрудник пресс-службы, администратор, актер…

Программа двухдневного мастер-класса состояла из театральных уроков для зрителей перед спектаклями и двух мастер-классов с участием московских театральных педагогов, которые прошли стажировку у немецких и американских специалистов. На занятиях участникам было предложено создать новые программы подобных занятий для спектаклей собственного театра.

Класс театральной критики

Опубликовано: 27.03.2017 в 23:17

Автор:

Категории: Лаборатории

В 2014 году Класс театральной критики сосредоточился на балете и современном танце. Класс состоял из лекций и практических занятий, походов в театр и разборов спектаклей, работы с текстом. Главная цель Класса – научить(ся) писать о танце.

Программа Класса театральной критики 2014 года рассчитана на несколько недель. В течение всего времени участникам Класса была предоставлена возможность ходить на спектакли Фестиваля «Золотая Маска», также на важные спектакли московских театров.

Бэби Лаб

Опубликовано: 27.03.2017 в 01:05

Автор:

Категории: Лаборатории

Бэби-театр — новое для России направление, это спектакли для самых маленьких: от шести месяцев до трех лет. Чем раньше человек соприкасается с искусством и культурой в своей жизни — тем вероятней творчество и интерес к искусству превращаются для него в устойчивую потребность и привычку.
В российском обществе ребенок считается готовым к восприятию искусства в возрасте от трех лет. Но новейшие педагогические и художественные практики, включая практики театральные, обращены к детям до трех лет. Современный театр для самых маленьких — не пустое развлечение, но способ познания мира через искусство. Такой театр развивает в младенцах готовность к активному познанию мира и строится на бесконфликтной драматургии, готовя детей к позитивному восприятию действительности.

«Бэби лаб» — это долгосрочная программа по развитию бэби-театра в России.

Она включает:

работу с ведущими европейскими мастерами в области театра для самых маленьких;
формирование постановочных команд;
мастерскую по созданию спектаклей для детей от 6-ти месяцев до трех лет;
организацию постоянного проката спектаклей на площадках партнеров;
формирование осознанных подходов взаимодействия художника и зрителя-младенца; определение стандартов качества постановок и инфраструктуры, связанной с показом спектаклей, поддержка экспертного сообщества;
сотрудничество с детскими психологами.

Участниками могут стать авторы (драматурги, композиторы), постановщики (режиссеры, хореографы, художники); исполнители. Для них организуются мастер-классы и предоставляется возможность разработать свои эскизы и создать спектакль.

Показы созданных с рамках лаборатории спектаклей уже идут на самых разных площадках Москвы и в апреле будут собраны все вместе под крышей Культурного центра «ЗИЛ».

Класс театральной педагогики. Опера

Опубликовано: 27.03.2017 в 00:31

Автор:

Категории: Лаборатории

Общая цель: популяризация среди учащихся и профессионалов средней школы оперы как актуального, открытого, быстро развивающегося жанра. Включение театра в образовательный процесс. Формирование заинтересованной аудитории оперного театра.
Мастерская адресована двум целевым аудиториям: учащимся общеобразовательных школ; учителям и другим профессионалам, работающим в сфере школьного образования и непосредственно взаимодействующим с учениками.

Мастерская включает два этапа:
Задача проекта в отношении учителей (1 этап) – способствовать формированию интереса к опере как средству обучения в рамках общеобразовательной школы, разработать методики преподавания оперы в общеобразовательной школе.
Задача проекта в отношении учащихся (2 этап) – способствовать формированию интереса к опере как жанру и профессиональной деятельности, предложить подходы к пониманию оперного спектакля, разрушить стереотипное понимание оперы как элитарного, неактуально, немодного или закрытого жанра, способствовать тому, чтобы опера стала частью досуга школьников. Мастерская предоставит школьникам возможность познакомиться с историей оперы и организацией оперного театра, особенностями жанра и отдельных произведений на серии интерактивных мастер-классов, и главное, позволит им принять непосредственное участие в процессе постановки и исполнения произведений классического оперного репертуара.

Формат: лекции, мастер-классы, практические занятия. Постановка оперного спектакля. Занятия будут носить интерактивный и практический характер, сопровождаться показами, живым исполнением, играми.

Ожидаемый результат:
Учителя разработают под руководством куратора и преподавателей мастерской методики включения оперы в общеобразовательный процесс, подготовят театральный урок на материале конкретного спектакля.
Учащиеся подготовят под руководством куратора и преподавателей мастерской постановку классического оперного спектакля и примут в нем участие в качестве зрителей и исполнителей одновременно.

На всех этапах с участниками мастерской будет работать команда театральных профессионалов и студентов Академии хорового искусства им. В.С. Попова под руководством куратора мастерской.

Участие в мастерской – бесплатное.

Учителя получат официальные свидетельства об участии в мастерской.

Класс театральной критики. Балет и современный танец

Опубликовано: 26.03.2017 в 23:36

Автор:

Категории: Лаборатории

Класс театральной критики – это серия лекций и практических занятий под руководством Анны Гордеевой. Его главная цель – развить навыки создания экспертных текстов (рецензий, обзоров, анонсов, интервью) в области балета и современного танца.

Класс театральной критики:

  • Способствует формированию навыков письма о музыкальном театре у молодых театроведов и гуманитариев.
  • Восполняет пробел, который существует в театроведческом образовании, – актуализирует и углубляет знания о балете, современном танце и опере.
  • Способствует формированию нового поколения критиков и авторов, пишущих о музыкальном театре.
  • Предлагает новую платформу для постоянного разговора о событиях, происходящих в музыкальном театре.

Класс проходит в очной и очно-заочной (для студентов из регионов) форме. Занятия включают лекции, практические семинары, походы в театр, встречи с театральными профессионалами.

СОТА — Мастерская новых форм танца

Опубликовано: 26.03.2017 в 23:23

Автор:

Категории: Лаборатории

СОТА — это пространство исследования, теории и практики создания работ в области современного танца и перформанса.

Тема : Междисциплинарные проекты/Коллаборации — Research>Creation

Основной фокус программы – обучение непосредственно через практику. Под руководством преподавателей и менторов участники СОТЫ приобретут навыки и опыт взаимодействия и сотрудничества между собой, а также с представителями других театральных профессий и других медиа. Это позволит им развить междисциплинарное мышление в творчестве и научиться создавать перформансы на пересечении разных жанров. Они будут как работать сольно, так и ставить на группу, делать дуэты.

Программа СОТЫ состоит из технических классов, лекций, лабораторий под руководством менторов и самостоятельной работы.

Задача участников — эксперимент, исследование, анализ процессов создания работ, поиск и формирование собственного подхода к хореографическим и перформативным практикам.

Задача менторов — предоставить участникам СОТЫ теоретический и практический материал для размышления и личного исследования, предложить практики, стимулирующие творческие процессы и организовать пространство, в котором можно свободно экспериментировать и развивать свои идеи на практике.

Этапы Лаборатории

1. Первый блок работы, посвящен лабораторным практикам: получению новой информации, изучению возможностей работы с разными медиа, ознакомлению с методиками исследования и поиска материала. Каждую неделю со студентами СОТЫ будет работать один из педагогов (иногда в паре с лектором). В этот период студенты ознакомятся с разными подходами к междисциплинарным проектам, получат опыт работы с профессионалами, определят интересующие их идеи и материал, на базе которого, во втором блоке программы они будут создавать свои собственные работы. Формирование собственных работ студентов.

2. Во втором блоке студенты, разбившись на группы под руководством и коучингом менторов, будут заниматься работой над собственными междисциплинарными проектами. Каждый проект студентов получит возможность нескольких консультаций с каждым из менторов, для возможности рассмотрения работ под разным углом обращения с материалом.

Финалом лаборатории стал открытый показ работ участников.

Презентация результатов мастер-класса Изабель Шад и Лорана Голдринга «Collective Jumps»

Опубликовано: 26.03.2017 в 23:09

Автор:

Категории: События

В рамках фестиваля Weekend’off в Пространстве Перформативных Практик.

В своей знаменитой постановке «Collective Jumps» ее авторы, Изабель Шад и Лоран Голдринг, исследуют границы индивидуального тела, узоры масс и способы коллективного существования. При этом визуальная составляющая работы оставляет зрителю возможность воображения и участия. Располагаясь на границе между танцем, инсталляцией, скульптурой, перформансом, постановка стала лабораторией независимости, интимности, близости и их революционного социального потенциала.

В рамках мастер-касса Института театра Изабель и Лоран работают с тридцатью участниками, что почти вдвое превышает число участников первоначальной постановки. При этом пьесу адаптируют для различных пространств. А это создает дополнительную интригу.

Вход бесплатный.

При поддержке Немецкого культурного центра им. Гёте в Москве и Французского института в России

Мастер-классы по современной хореографии и перфомансу

Опубликовано: 26.03.2017 в 22:04

Автор:

Категории: Лаборатории

Серия мастер-классов иностранных преподавателей для хореографов и танцовщиков по исследованию форм массового танца и перформанса

Мастер-классы являются продолжением работы ИНСТИТУТА ТЕАТРА по подготовке хореографов и перформеров. Темой мастер-классов стало исследование феномена массовых перформативных практик и способов существования коллективного перформанса в альтернативных пространствах.

Мастер-класс «Levée des conflits»
25–29 апреля

Мастер-класс, посвященный постановке Бориса Шармаца «Levée des conflits». Мастер-класс ведет Матье Бюрнер, один из танцовщиков «Музея танца» в Ренне и исполнителей «Levée des conflits», танцовщик, хореограф, саунд-дизайнер, работающий во Франции и в Германии.

Публичный показ результатов мастер-класса 27 апреля в 19.00 в Пространстве перформативных практик. Мастер-класс «Levée des conflits» проводится при поддержке Французского института при Посольстве Франции в России. Институт театра выражает благодарность Пространству перформативных практик за помощь в проведении мастер-класса.

Мастер-класс «Collective Jumps»
23–29 мая

Мастер-классе Изабель Шад (Германия) и Лорана Голдринга (Франция) и в постановке их перформанса «Collective Jumps» («Прыжок в коллективность»). Мастер-класс и работа над постановкой пройдут с 23 мая по 3 июня.
Куратор: Дина Хусейн.
Премьера перформанса «Collective Jumps» состоялась 28 ноября 2014 года в пространстве HAUHebbelamUfer в Берлине. Авторы обращаются к теме коллективности и сопротивления, исследуют возможные отношения между свободой и формой в хореографической композиции.

В рамках московского мастер-класса/постановки Изабель Шад и Лоран Голдринг предлагают участникам ознакомиться и поработать с уже существующим материалом пьесы и исследовать его возможные модификации.

Расписание мастер-класса и работы над постановкой «Collective Jumps»:
1-й этап –
23, 24, 25, 26 мая с 13.00 до 18.00
28 мая с 12.00 до 16.00
29 мая с 14.00 до 18.00
Место проведения: Пространство перформативных практик (ул. Макаренко,
д. 4, стр.1, 4 этаж)

2-й этап –
30, 31 мая и 2 июня с 11.00 до 16.00
3 июня с 14.00 до 19.00
Место проведения: Атриум Музея Современного Искусства «Гараж» (ул.
Крымский Вал, д. 9, стр. 32)

Публичные показы. Результат работы будет показан в двух версиях:
1. «Collective Jumps» в рамках фестиваля Weekend’off в Пространстве
перформативных практик
.
Время события: 29 Мая в 19.00
Место проведения: Пространство перформативных практик.

2. «Collective Jumps. Installation», в рамках фестиваля перформанса «СОТА@ГАРАЖ»
Время события: 3 июня, с 19:00–21:00.
Место проведения: Атриум Музея «Гараж»

Перформанс-инсталляция Изабель Шад и Лорана Голдринга является производной мастер-класса, проведенного Институтом театра (образовательный проект Фестиваля «Золотая Маска»).

При поддержке Гете-Института и Французского института при ПосольствеФранции в России.

Презентация-перформанс мастер-класса Шелли Хирш в лаборатории «Голос»

Опубликовано: 26.03.2017 в 16:46

Автор:

Категории: События

30 апреля прошла презентация-перформанс мастер-класса Шелли Хирш в лаборатории «Голос» . Лаборатория «Голос» стала одной из первых исследовательских программ, посвященных использованию современных техник вокала и голоса в драматическом и музыкальном театре.

Куратор лаборатории — Наталия Пшеничникова.

Программа лаборатории включала мастер-класс Шелли Хирш (США), который прошел с 26 по 30 апреля. Шелли Хирш – выдающаяся вокалистка, импровизатор, перформер и композитор, одна из пионеров современного вокала, виртуоз «расширенных техник», автор сольных спектаклей-рассказов. Ее концерты и воркшопы пользуются большой популярностью по всему миру.

Презентация-перформанс является рабочим событием и направлена на то, чтобы познакомить публику с промежуточными результатами работы лаборатории.

Мы благодарим Посольство Соединенных Штатов Америки за поддержку в организации и проведении лаборатории «Голос».

Презентация-перформанс мастер-класса Кристиана Кестена в лаборатории «Голос»

Опубликовано: 26.03.2017 в 16:02

Автор:

Категории: События

Лаборатория «Голос» стала одной из первых исследовательских программ, посвященных использованию современных техник вокала и голоса в драматическом и музыкальном театре.

Куратор лаборатории — Наталия Пшеничникова.

Программа лаборатории включает мастер-класс Кристиана Кестена (Германия). Кристиан Кестен – композитор, перформер, вокалист, многолетний участник легендарного ансамбля «Маульверкер», в настоящее время преподает в Берлинской академии искусств и Актерской школе имени Буша, автор многочисленных сочинений для голоса.

Презентация-перформанс является рабочим событием и направлена на то, чтобы познакомить публику с промежуточными результатами работы лаборатории лаборатории «Голос».

Мы благодарим Гете-Институт за поддержку в организации и проведении мастер-класса Кристиана Кестена.

Голос

Опубликовано: 26.03.2017 в 15:49

Автор:

Категории: Лаборатории

Работа в современном музыкальном и драматическом театре предъявляет новые требования к владению вокалом и голосом, предполагает использование форм и приемов, выходящих за рамки традиционного драматического и музыкального театра, но при этом связанных с античностью и фольклором. В настоящее время в России практически нет систематических курсов, направленных на развитие возможностей работы с современными формами вокала и голосом, увеличение выносливости и контроля над голосовыми процессами.

Лаборатория «Голос» направлена на подготовку профессионалов, владеющих современными техниками вокала и голоса в драматическом и музыкальном театре; развитие голосовых возможностей, контроль за дыханием и речью; выявление индивидуальных качеств студента.

Содержание и аспекты работы лаборатории «Голос»:

  •  «расширенные техники» современного вокала, временная дисциплина при использовании «расширенных техник»;
  • работа с внешними факторами, работа с различными акустическими пространствами, сурдины и мутации звука;
  • использование микрофонов, трансформеров, компьютерных программ; акустическая имитация электронной обработки;
  • голос в инсталляции, перформансе, флэшмобе, от соло к хору и от хора к соло;
  • голос как средство живописи в современном изобразительном искусстве; спонтанный текст, освобождение от вербальности;
  • выдуманные языки;
  • физиологические голосовые процессы.

Лаборатория «Голос» включает мастер-классы под руководством куратора Наталии Пшеничниковой, а также Кристиана Кестена (Германия) и ШеллиХирш (США).

Кристиан Кестен – композитор, перформер, вокалист, многолетний участник легендарного ансамбля «Маульверкер», в настоящее время преподает в Берлинской академии искусств и Актерской школе имени Буша, автор многочисленных сочинений для голоса.

Шелли Хирш – выдающаяся вокалистка, импровизатор, перформер и композитор, одна из пионеров современного вокала, виртуоз «расширенных техник», автор сольных спектаклей-рассказов. Ее концерты и воркшопы пользуются большой популярностью по всему миру.

Лаборатория включает серию флэшмобов в альтернативных пространствах –в метро, бассейне, в парке и на воде, в подвалах «Винзавода».

Практическую работу сопровождает цикл публичных лекций ведущих российских композиторов Дмитрия Курляндского, Сергея Невского, Владимира Раннева на тему «Опыт работы с вербальными и невербальными текстами, традиционным и экспериментальным звучанием голоса».

Студенты лаборатории «Голос» работают с произведениями Дмитрия Курляндского, Шарлотты Зайтер, Джона Кейджа, Дитера Шнебеля, Клауса Ланга и др. Также в процессе работы созданы собственные композиции.

6 мая на сцене Центра им. вс. Мейерхольда прошла Итоговая презентация-перформанс «Колодец. Голос воспоминаний».

Дети в театре. Что мы с ними делаем и что они делают с нами?

Опубликовано: 24.03.2017 в 00:36

Автор:

Категории: Медиа

Академические разговоры. Дискуссия

Участвуют: Алексей Бородин, Борис Константинов, Алексей Крикливый, Надежда Алексеева, Мария Литвинова, Женя Беркович, Екатерина Бондаренко

Ведут: кураторы программы «Детский Weekend» Алексей Гончаренко

 

Новый театр в регионах. К вопросу о географических возможностях

Опубликовано: 20.03.2017 в 23:16

Автор:

Категории: События

Дискуссия

Участвуют: Дамир Салимзянов, Денис Бокурадзе, Петр Шерешевский, Дмитрий Егоров, Антон Безъязыков, Денис Хуснияров, Константин Солдатов, Михаил Тычинин

Столичный истеблишмент начал говорить о децентрализации культурной жизни и развитии театров «за мкадом» как о намерении и политике. И, кажется, снова отстал от времени. Развитие регионального театра явственно опережает этот запрос. Афиша «Золотой Маски» пестрит малоизвестными именами и городами. Художественная ценность продукции региональных театров отменяет снисхождение к возможностям и ресурсам. И именно провинция поставляет самые горячие новости и самые яркие спектакли – вопреки усугубляющейся централизации информационного и медийного поля.

• Остается ли актуальным деление на театр столичный и региональный? С точки зрения художественной, административной, интеллектуальной, прагматической и т.д.
• Дает ли региональный театр преимущества в карьере? Это только первый этап, требующий продолжения в столице, или региональный театр предоставляет достаточные возможности для художника?
• Есть ли бюджеты в провинции? Или приходится ограничивать себя малобюджетной продукцией, жертвуя известностью, аудиторией?
• Консервативна ли провинция? Требует ли работа в региональных театрах развития аудитории? Можно ли этим заниматься?
• Как показывать работу, сделанную в региональном театре, в столице? На престижном фестивале?

Времена типовой застройки. Театральная копродукция как политика и художественная практика

Опубликовано: 20.03.2017 в 22:39

Автор:

Категории: События

Диалог

Участвуют: Антон Гетьман, Павел Гершензон

Практика копродукции успешно развивается в музыкальном театре, решая очевидные задачи дороговизны музыкальной продукции. Результатом такой практики становится положение, при котором в каждом городе есть свой типовой Роберт Карсен, Клаус Гут, Алексей Ратманский. Учитывая интернациональный характер исполнительской профессии, музыкальный театр в глобальной перспективе выглядит как один театр с филиалами в разных точках мира. Одновременно практика копродукции практически не используется в драматическом театре (по крайней мере, в России).

Что определяет практику театральной копродукции:
• Интеграция российского музыкального театра в мировой театральный процесс – утопия, художественный волюнтаризм или неизбежный путь?
• Совместные постановки – метод примитивного клонирования репертуара или путь к творческому объединению российских и зарубежных театров?
• Совместные постановки – путь к взаимному доверию или способ решения сиюминутных финансовых проблем театров?
• Совместные постановки – потеря художественной уникальности (идентичности / местного колорита) или избавление от провинциальности?

Границы спектакля. Где располагается сегодня спектакль?

Опубликовано: 20.03.2017 в 22:24

Автор:

Категории: События

Дискуссия

Участвуют: Борис Юхананов, Михаил Бычков, Клим, Всеволод Лисовский, Дмитрий Волкострелов, Ксения Перетрухина, Сергей Невский

Современный театр каждый день получает все новые обозначения, более или менее звонкие. И создает все новые формы, противоречиво соотносящиеся с традиционным театром.
Анализ этих форм предполагает, что определен предмет – что такое театр? Что является театром, а что нет, где речь идет о спектакле, а где о выставке. Но как раз границы спектакля – временные, пространственные, структурные, архитектурные – становятся все более проблематичными. И требуют немедленного обсуждения. С позиций теории – и практики.

• Как участники определяют свое место по отношению к уже осуществленным типам театра?
• Насколько изменился условно конвенциальный театр, театр для широкой публики за последние 15-20 лет, и какие это перемены?
• Меняет ли появление новых описаний и терминов (постдраматический театр, иммерсивный театр) содержание театральной практики? Влияет ли способ описания на спектакль, на его границы?
• Случилась ли революция в российском театре, если смотреть на нее ретроспективно и экспертно?
• Если спектакль перестал быть герметичным и самое интересное в нем – это нарушение его границ, то, как меняется отношение постановки и материала? Не заменяет ли само-рефлексия работу с материалом, пьесой?
• Как меняется в современном театре положение, функция и место зрителя? Повлиял ли на это изменение социальный театр, где роли актера и зрителя распределяются иначе?
• Как изменился профессиональный состав театра с появлением непрофессиональных участников? Как влияние это оказывает на отношения со зрителями в зале?
• Меняются ли границы спектакля в связи с изменившейся «миссией художника», исчерпанностью темы профессионального театра?

Действие как музыка. Как делать музыку сегодня?

Опубликовано: 15.03.2017 в 21:57

Автор:

Категории: События

Диалог

Участвуют: Хайнер Геббельс, Александр Маноцков, Владимир Горлинский

Границы между музыкальным произведением, перформансом, драматическим спектаклем становятся все более прозрачными. Музыкальный текст все менее привязан к классическому инструментарию, классической нотации и традиционной концертной форме исполнения. Музыкальное произведение фиксируется через описание действий, которые совершают исполнители, все больше становится похожим на пьесу.

• Почему не достаточно нотной нотации? Какие задачи решают альтернативные формы записи музыкального произведения?
• Остается ли это музыкой?
• Зачем композитору терять контроль над произведением?
• Как оценить адекватность (качество) исполнения такого произведения? Стоит ли такой вопрос?
• Нужны ли специальные музыкальные навыки исполнителю? Какие?
• Что делать, если какое-то действие в партитуре невозможно исполнить?

Дети в театре. Что мы с ними делаем и что они делают с нами?

Опубликовано: 09.03.2017 в 21:41

Автор:

Категории: События

Дискуссия

Участвуют: Алексей Бородин, Борис Константинов, Алексей Крикливый, Надежда Алексеева, Мария Литвинова, Женя Беркович, Екатерина Бондаренко

Ведут: кураторы программы «Детский Weekend» Алексей Гончаренко, Марина Шимадина

Театр для детей стал существенной составляющей репертуарной политики любой театральной институции – и не только в традиционный период «елок», и не только в специализированных «детских» театрах. ТЮЗы перестали быть местом исключительно юного зрителя, а «большие» театры наполняют свои афиши «детскими» спектаклями.
Независимые проекты для детей развиваются активнее, чем любые другие независимые проекты.
И все это происходит в ситуации, когда детство и дети перестали быть делом семейным, а стали предметом государственной политики – не только в форме государственной поддержки тех или иных проектов, но и в форме контроля за нравственностью.

Что определяет театр для детей:
• Театр особого назначения: Театр детской радости vs Театр детской скорби. Возможен ли третий путь?
• Популярные названия в репертуаре как гарантия стабильности. Отсутствие новых текстов — проблема спроса или предложения?
• ТЮЗ – младший брат театра драмы? Вопрос престижа театра и спектакля для детей.
• Должен ли театр для детей воспитывать?
• Возрастной ценз постановки – кто берет на себя ответственность: государство, родители, педагоги, авторы спектакля?
• Что театр знает о своем зрителе, а зритель о своем театре? Как завоевать доверие друг друга?
• Дети – «самый требовательный зритель» или «пионер сопливый, а рубль в кассу несет»?

Миша Качман. Карьера молодого художника. Опыт Америки

Опубликовано: 09.03.2017 в 21:28

Автор:

Категории: События

Лекция

Как, кого и откуда «берут в художники» в Америке? Как становятся сценографом? Как устроено американское театральное образование в целом, и как выглядит путь молодого художника в профессию. Разница между тем, как учат художников в России (и вообще в Старом свете) и в Америке очень существенная, и она отражает огромные различия между русским театральным миром и американской театральной индустрией. Исторически в России упор делается на формальную профессиональную подготовку, в диапазоне дисциплин от чисто художественных (академическая живопись и рисунок) до общекультурных (история искусства, литературы, театра и т.д.). Большинство людей, приходящих учиться сценографии, учились до этого «на художника-станковиста». И читали очень мало пьес. В Америке большинство абитуриентов – исходно люди театра. Упор делается на овладении ремеслом, технологиями, визуальным языком, профессиональными стандартами, а также социальными навыками и этикетом, которые помогут молодому художнику обрасти профессиональными связями.

И очень важная тема – это институт ассистентуры. Через него прошло подавляющее большинство успешных художников, которые на ранних стадиях карьеры были по существу подмастерьями в мастерских своих учителей или у сценографов-звезд. Структурно сценографическое образование в Америке также принадлежит не художественной, а театральной школе.

Речь также пойдет об истории, иерархии, финансировании и географии профессиональных программ, системе отбора URTA, NAST, Ming’s Clambake и подобных институтах, о том, как театральные программы занимаются маркетингом своих выпускников и как возникают школы и династии, а также о той роли, которую играет «звездная» профессура в дальнейшей карьере молодых художников.

Интересно поговорить и о том, как складываются отношения молодых художников с режиссерами, продюсерами и коллегами по цеху, на каких площадках они возникают.

Миша Качман – американский театральный художник. Родился в Ленинграде, закончил Постановочный факультет ЛГИТМиК им. Н.К. Черкасова, мастерская М.А. Смирнова. Ученик двух выдающихся художников советского кино, Беллы Маневич и Исаака Каплана. В 1994–1998 годах работал художником-оформителем выставок в Государственном Эрмитаже. Живет в Вашингтоне. Миша оформил многочисленные постановки в Arena Stage, Asolo Repertory Theatre, Baltimore Center Stage, Cincinnati Playhouse in the Park, John F. Kennedy Center for the Performing Arts, Maryland Opera Studio, Milwaukee Shakespeare, Olney Theatre, Opera Lafayette, Opera Royal Versailles, Pasadena Playhouse, Portland Center Stage, Round House Theatre, Shanghai Dramatic Arts Center, Signature Theatre, Skylight Music Theatre, Studio Theatre, Syracuse Stage, Theater J, Wilma Theater, Woolly Mammoth Theatre Company, а также во многих других.

С 2011 года является постоянным художником и членом Company of Artists в Woolly Mammoth Theatre Company в Вашингтоне. Лауреат премии Helen Hayes. Миша Качман – постоянный профессор сценографии Мэрилендского университета, с 2014 года – руководитель сценографической программы (Head of MFA in Design).

Более подробную информацию можно найти здесь:
http://www.mishakachman.com/
https://dvqlxo2m2q99q.cloudfront.net/000_clients/592459/file/live-design-magazine-kachman-april-2016.pdf
http://tdps.umd.edu/faculty/misha-kachman
https://www.woollymammoth.net/about-us/company

Определены имена участников лаборатории «Стратегии завлита»

Опубликовано: 06.03.2017 в 03:13

Автор:

Категории: Новости

Куратор лаборатории «Стратегии завлита» Павел Руднев составил список тех, кто прошел конкурс.
Мы вновь хотели бы отметить, что количество желающих участвовать в лаборатории превысило 70 человек. И абсолютное большинство из них работают в регионах. Что ж — значит тема вполне актуальна, и театру требуются и тексты, и смыслы.

Итак — вот имена студентов-завлитов:

Батуева Оксана
Борисова Елена
Ионушайте Юлия
Истомина Ольга
Коваленко Юлия
Колесникова Анастасия
Кострикова Катя
Леготина Юлия
Маркелова Светлана
Маркина Лилия
Пархомовская Ника
Попова Ангелла
Разгуляева Анастасия
Резвова Анна
Спиваковская Елизавета

Спасибо всем!

Стратегии завлита

Опубликовано: 06.03.2017 в 02:51

Автор:

Категории: Лаборатории

Заведующий литературной частью (завлит) в течение долгих лет был непременным действующим лицом российского театрального процесса. В последнее же десятилетие необходимость завлита была поставлена под сомнение самим характером новой театральной реальности. Профессия оказалась в очевидном упадке, ее престиж для выпускников театроведческих факультетов потерян.
Между тем в театре сохраняется запрос на образованного, оснащенного не только филологическими, но и другими гуманитарными знаниями профессионала. Такого профессионала в европейской традиции называют драматургом.
Взаимоотношения литературы и театра, драматургии и театра сегодня перестраиваются, переосмысливаются. Автор пьесы становится в большей степени частью театрального производства, нежели писателем со стороны. Режиссеры обращаются к прозе и самостоятельно или с чьей-то помощью делают ее сценическую адаптацию. Сама категория текста в театре, и не только драматическом, переосмысляется и требует нового понимания.
Семинар задуман и как образовательная инициатива, как попытка исследовать и сформулировать новые черты и инструменты профессии, а также как акция для привлечения внимания театральной общественности к новой роли литературного редактора, завлита, драматурга в современном театре, репертуарном и проектном в равной степени.
Семинар состоит из лекций и практических занятий, посвященных теории драмы, разбору современных пьес, искусству инсценировки прозы, репертуарной политике театра, тенденциях современной российской литературы и драматургии, и в частности детской прозы.
Семинар завершается презентацией-питчингом проектов и инициатив от участников семинара.

В сотрудничестве с Союзом театральных деятелей РФ

Обучение бесплатное.

Внимание! Мы будем особенно рады участию в семинаре профессионалов из городов России. Проезд и проживание 8-ми специалистов, прошедших конкурс, смогут взять на себя организаторы проекта.

Анкета для подачи заявки на участие:
1. ФИО, возраст
2. Место работы, город
3. Краткая творческая биография
4. Какими проектами в области театра и культуры, осуществленными с Вашим участием, вы гордитесь?
5. Какие идеи находятся в Вашем «творческом портфеле»? Чего бы Вы хотели добиться от театра, в котором Вы служите (репертуарные идеи, проекты) – даже если эти проекты утопичны и принципиально нереализуемы?
6. Контакты

Теория и практика письма

Опубликовано: 05.03.2017 в 19:50

Автор:

Категории: Лаборатории

Фокус лаборатории «Теория и практика письма» сделан на работу с текстом. Это курс для тех, кто хочет писать о театре, музыке и других событиях культуры, кто умеет и любит работать с текстом и кто хотел бы этому научиться. Лаборатория помогает слушателям овладеть профессиональными навыками и получить опыт работы с устным и письменным текстом о театре и современной культуре, научиться разбираться в новых форматах, принципах, жанрах и функциях критики и журналистики, искать информацию и находить смысл, экспериментировать со стилем и формой и понимать текст как поле взаимодействия аудитории и заказчика, истории и предмета, автора и события, вечности и редакционной политики, персональных стратегий и общественных ожиданий.
Курс построен как цикл лекционно-семинарских занятий, мастер-классов, обсуждений, экспериментов, просмотров и творческих заданий. В центре находится инструментарий, язык и функция критики и журналистики, общение с мастерами и совместный поиск ответа на вопрос что такое «хороший текст» и как его написать.
Программа лаборатории охватывает широкий круг профессиональных тем и практическое освоение связанных с ними навыков, без которых немыслим современный критический/журналистский текст о театральном событии или культурном процессе, будь то новостное сообщение, газетная рецензия, журнальный обзор, аналитическое исследование, проблемная статья, эссе, репортаж, отзыв, публицистический или художественный комментарий.
Занятия в Лаборатории включают практическую работу по созданию текстов и обсуждение теоретических проблем, связанных с профессией культурного журналиста.


Темы занятий лаборатории:

– Новый театр и новый язык в критике и журналистике
– «Ваш покорный слуга» или «Я» в авторском тексте о культурном событии
– Судебное производство как метафора универсальной рецензии или «Работают ли критики оценщиками в городском ломбарде»
– Новые медиа и старые форматы
– Языковые штампы. Как их извести и для чего они нужны
– «Свобода и несвобода»: что такое жесткий формат и как согласуется с ним авторская индивидуальность
– Правила профессии: существует ли кодекс чести, что можно и чего нельзя в тексте и в жизни
– Культуртрегерская, информационная, аналитическая, лирическая позиция в критике и журналистике. Текст как разговор единомышленников, крик души, экспертиза, салон, новостной обмен или PR
– Культурная журналистика и профессиональная критика между заказчиками и источниками. Государство, спонсор, театр, публика, издатель, читатель — кто в действительности ужинает девушку и читает текст
– Новая критика и журналистика в специализированных изданиях, СМИ общего профиля, глянцевых журналах и социальных сетях. Стилистический эксперимент
– Что должен и чего может не знать журналист о событии и предмете. Границы компетенции, аранжировка незнания и работа с источниками
– Профессиональный инструментарий: непонятные слова, термины и риторические фигуры в журналистском и критическом тексте или «Нельзя не отметить, что репрезентация данного симулякра с неизменным успехом производит на публику неизгладимое впечатление своим тремоло литавр»
– Ангажированность и независимость. Как в зависимости от позиции автора меняется текст
– Критика и журналистика между индивидуальным творчеством и массовым ремеслом. Уметь или быть.


В сотрудничестве с
Союзом театральных деятелей РФ

Расписание:
Занятия проводятся по субботам 25 февраля, 4, 11, 18, 25 марта, 1, 8, 15, 22, 29 апреля с 13.00 до 17.00

Обучение бесплатное.

Внимание! В конкурсе могут принять участие молодые специалисты из городов России – мы никак не ограничиваем их инициативу. При этом, понимая, что практически невозможно приезжать в Москву каждую субботу в течение 10-ти недель, мы предлагаем заочную форму обучения для четырех выбранных студентов. Руководитель лаборатории Юлия Бедерова готова заниматься с четырьмя иногородними студентами он-лайн, а организаторы проекта оплатят два приезда в Москву непосредственно на занятия.


Требования к кандидатам:

Мы приглашаем к участию в работе Лаборатории всех, кому интересно писать о театре, музыке и культуре – студентов и выпускников творческих и других специальностей, журналистов, критиков, всех, кто интересуется театром и письмом.

Анкета для подачи заявки на участие:
1. ФИО, возраст
2. Место работы, город
3. Краткая творческая биография
4. К заявке обязательно приложите:
• Резюме в свободной форме (чему вы учились или учитесь, что в театре, музыке, художественном процессе вас больше всего интересует, как часто вы пишите о театре, есть ли у вас публикации, почему вас заинтересовала программа курса)
• Два письменных текста о событиях в драматическом, музыкальном театре или в синтетических жанрах (это могут быть как премьеры последних сезонов, так и старые спектакли): 1) рецензия на постановку (перформанс или другое), объем — до 3 страниц 2) эссе, обзор, портрет, репортаж, аналитический материал о проблемах или тенденциях (по выбору). Объем – 3-4 страницы.

Мастерская новых форм танца СОТА объявляет новый набор

Опубликовано: 25.02.2017 в 19:05

Автор:

Категории: Новости

Мастерская новых форм танца СОТА начиналась 2 года назад в Институте театра как совершенно утопический проект – нереальный, невозможный, сложный… Но мы решились – ради дела, ради жанра, ради людей. И нам очень приятно, что этот проект сразу стал привлекательным и для участников, студентов и преподавателей, и для партнеров. СОТА продолжает развиваться. И мы внимательно следим за этим развитием – потому что Соту делают очень талантливые и очень неравнодушные. Дина Хусейн и команда, удачи вам! Узнать больше

Strongly recommended

Опубликовано: 20.02.2017 в 22:25

Автор:

Категории: Новости

Strongly recommended. Семинар по музыкальной критике для молодых журналистов и культурологов пройдет в рамках фестиваля современной музыки «Московский форум».

«Институт театра» открывает лаборатории

Опубликовано: 19.02.2017 в 00:12

Автор:

Категории: Новости

Учебный курс «Стратегии завлита» для заведующих литературной частью пройдет в рамках образовательного проекта «Институт театра» фестиваля «Золотая маска».

К участию приглашаются заведующие литературной частью российских театров, литературные редакторы, а также выпускники театральных и гуманитарных вузов: 15 человек будут отобраны на основе конкурса анкет. Заявки принимаются по почте до 25 февраля.

Лаборатория будет работать с 9 по 12 марта. Занятия проведут Олег Лоевский, Наталия Скороход, Алексей Бородин, Ольга Никифорова, Евгения Кузнецова, Евгений Казачков, Михаил Дурненков, Валерия Пустовая, Ольга Варшавер. Куратором направления выступает доцент ГИТИСа, театральный критик Павел Руднев.

«За четыре дня завлиты прослушают лекции и примут участие в практических занятиях, посвященных теории драмы, разбору современных пьес, искусству инсценировки прозы, репертуарной политике театра, тенденциям современной российской литературы и драматургии, в частности, детской прозы», – говорится в сообщении на сайте фестиваля.

Обучение проводится бесплатно. Расписание занятий доступно на сайте «Золотой маски».

В рамках образовательного проекта пройдут и другие лаборатории: практический курс для театральных критиков «Теория и практика письма. Можно ли научиться хорошо писать о театре и что такое «хорошо»?», семинар «Празрак экспертизы. Как осуществлять художественную экспертизу в культурной ситуации нашего времени?», а также «Цикл профессиональных разговоров о театре» (программа «Института театра» в Электротеатре Станиславский).

Справка

«Институт театра» – образовательный проект фестиваля «Золотая маска», направленный на подготовку молодых профессионалов в области театрального дела. Главным форматом работы являются творческие практические лаборатории.

Интернет-издание «Театрал»

19 февраля 2017

«Золотая маска» объявила программу «Института театра»

Опубликовано: 07.02.2017 в 23:54

Автор:

Категории: Медиа

Опубликована программа нового сезона «Института театра» – образовательного проекта Фестиваль «Золотая маска», направленного на подготовку молодых театральных профессионалов, исследование и критический анализ новых форм театра и новых театральных практик.

25 февраля программу «Института театра – 2017» откроет практический курс для театральных критиков «Теория и практика письма. Можно ли научиться хорошо писать о театре и что такое «хорошо»» (куратор — Юлия Бедерова).

«Стратегии завлита», семинар для заведующих литературной частью и тех, кто хочет ими стать, пройдет с 9 по 12 марта (куратор — Павел Руднев).

1 марта будут объявлены программы семинара «Призрак экспертизы. Как осуществлять художественную экспертизу в культурной ситуации нашего времени?» и цикла «Академические разговоры» в «Электротеатре Станиславский».

«Институт театра» был создан в 2013 году. С тех пор в творческих лабораториях, семинарах и мастер-классах по новой музыке в театре, современному танцу и перформансу, театральной критике, театральной педагогике, театральному дизайну приняли участие несколько сотен студентов и молодых профессионалов.

Интернет-издание «Colta»

7 февраля 2017

 

Семен Александровский — Роман Феодори: Новый бродячий театр. Зачем театру недвижимость?

Опубликовано: 15.04.2016 в 00:00

Автор:

Категории: Медиа

«Школа современного зрителя и слушателя» совместно с Институтом театра представляет встречи с участниками фестиваля «Золотая Маска» 2016 года — режиссерами Семеном Александровским и Романом Феодори.

Два молодых режиссера: одно поколение, одна школа, две разные дороги в профессии. Один работает в стационарных театрах и возглавляет один из таких; другой – сотрудничает с независимыми институциями и сам создает такие. Что ими движет, и за чем будущее в современном российском театре?

Перфоманс-презентация «Колодец. Голос воспоминаний»

Опубликовано: 26.03.2016 в 16:32

Автор:

Категории: События

Перфоманс-презентация «Колодец. Голос воспоминаний»Участники лаборатории «Голос» после месяца ежедневной работы с вокалом и голосом, погружения в собственный голос и исследования его возможностей представляют композицию, основанную на процессах анализа и воспоминаний. Воспоминаний о голосе разной степени удаленности, от глубоко личных до коллективных воспоминаний о совместном звуковом сосуществовании. Воспоминаний, которые сталкиваются и смешиваются с фрагментами разученных сочинений Клауса Ланга (Австрия), Иоханнеса Фрича (Германия), Шарлотты Зайтер (Германия), Джона Кейджа (США), Джачинто Шелси (Италия), Кирилла Широкова (Россия). Воспоминаний, которые становятся колодцем, куда погружается сознание.

Куратор лаборатории «Голос» — Наталия Пшеничникова.

Исполняют участники Лаборатории «Голос»:
Мария Беккер,
Фатима Бесолова,
Ольга Власова,
Анастасия Галкина,
Людмила Ерюткина,
София Ефимова,
Алексей Коханов,
Вик Лащенов,
Анастасия Литвинова,
Сергей Морозов,
Алена Папина,
Ульяна Подкорытова,
Анастасия Полянина,
Александр Просветов,
Тархея Раат,
Диляра Турянская,
Анна Шавердьян,
Ольга Широкоступ,
Дмитрий Шумилов

Татьяна Баганова — АХЕ: Художник vs хореограф. Кто кому мешает на сцене?

Опубликовано: 21.03.2016 в 00:08

Автор:

Категории: Медиа

«Школа современного зрителя и слушателя» совместно с Институтом театра представляет встречи с участниками фестиваля «Золотая Маска» 2016 года.

Как происходит взаимодействие хореографа и современного художника на территории театра? Почему тот, кто сочиняет движение тела, нуждается в диалоге с теми, кто занят движением предметов и фактур и конструированием пространства?
Разговор о танце и художнике ведет критик Дина Годер, куратор лаборатории «Визуальный театр» Института театра. Во встрече примут участие хореограф Татьяна Баганова, художники Павел Семченко и Максим Исаев (АХЕ) и Александр Шишкин.

Мастер-класс Дины Хусейн

Опубликовано: 12.03.2016 в 00:50

Автор:

Категории: Медиа

Мастер-класс Дины Хусейн с участниками лаборатории «Визуальный театр».

Тематический блок «Тело». Тело как оператор, проводник, скульптура и носитель действия. Энергия и коммуникация. Пластика, танец, тело в пространстве.

 

Визуальный театр

Опубликовано: 01.03.2016 в 19:38

Автор:

Категории: Лаборатории

Термин visual theatre определяет широкий спектр театральных произведений, главное в которых – визуальная составляющая, «картинка», а не история, взаимоотношения персонажей и т.п. Существует множество спектаклей, уходящих от прямого нарратива и построенных на ярких визуальных метафорах, которые соединяются ассоциативно, а не сюжетно, где логическая связь между эпизодами осуществляется скорее в сознании зрителей, чем на сцене. В них особенно важно зрительское впечатление, предшествующее анализу, а множественность трактовок тут входит в условия игры.

Визуальный театр существует на границе жанров, соединяя драму и цирк, физический, танцевальный театр – с видео- и медиа технологиями, особый «театр художника» – с театром-квестом, грубоватыми уличными представлениями, кукольным и предметным театром, а вместе с тем – с разнообразными арт-практиками от перформанса до инсталляций (уже есть термин «театр-инсталляция», обозначающий постановку, где может и вовсе не быть актеров) и всевозможными видами концертов и музыкального театра.

Визуальный театр, как правило – авторский. Постановщик может быть одновременно и автором сценария, и художником и даже композитором. При исследовании визуального театра важен комплексный подход, а программа преподавания визуального театра должна быть как можно более разнообразной и открытой новому.

Двухмесячный курс лаборатории «Визуальный театр» построен как ряд учебных уикендов, разделенных на тематические блоки, каждым из которых руководил свой мастера. Блок состоял из лекций, показов, практических мастер-классов, разборов и студии для самостоятельных репетиций. При этом каждый мастер-класс был посвящен знакомству с авторским способом работы мастера.

25 апреля состоялась Итоговая презентация лаборатории – альманах, состоящий из бессловесных визуальных мини-спектаклей выпускников лаборатории, созданных по мотивам романа «Дон Кихот».

«Волшебная флейта» в стиле Картонии

Опубликовано: 12.06.2015 в 01:52

Автор:

Категории: Медиа

Как увлечь ребенка оперой? Вопрос непростой, ведь даже большинство родителей считают этот жанр скучным и непонятным, что уж говорить про детей. Но в прошлую пятницу мы были свидетелями необыкновенного чуда: в роскошном зале «Новой оперы» сотни детей, замерев, слушали «Волшебную флейту» Моцарта, а на сцене играли их ровесники, ученики обычных московских школ, которым посчастливилось принять участие в образовательном эксперименте Института театра, созданном при «Золотой Маске».

Еще два года назад он запустил проект «Театральная педагогика», который призван налаживать связи между театром и школами, учить детей и учителей понимать сценическое искусство. Но до сих пор дело ограничивалось посещением спектаклей, их обсуждением, экскурсиями за кулисы и занимательными театральными уроками в игровой форме. Режиссер Наталья Анастасьева-Лайнер предложила новый уровень включенности участников в театральное действие. Она решила не просто показать детям оперу и рассказать о ней, а создать спектакль вместе, своими руками.

В течение двух месяцев специалисты ездили в московские школы, рассказывали детям про Моцарта, про оперу и устройство театра, про саму «Волшебную флейту», показывали видео разных постановок и разучивали несложные номера, которые способен спеть ребенок без музыкального образования. Потом дети вместе с педагогами участвовали в подготовке спектакля. Вместе с художницей Этель Иошпой рисовали, вырезали и клеили декорации из крафта — так что визуально спектакль получился таким домашним «хенд-мейдом» в стиле любимой многими Картонии. И в конце концов вышли на сцену вместе с профессиональными певцами Академии хорового искусства.

В спектакле дети выполняли роль античного хора, разбитого на кланы: свет, ночь, любовь, подвиг, — у каждого из которых был свой символ — солнце, месяц, сердце и меч. Представители кланов болели за своих героев, доставали в нужные моменты реквизит, изображали страшного змея, напавшего на Тамино, подпевали весельчаку Папагено, играли на свернутых из бумаги флейтах и т.д.

Артисты пели в основном на немецком, хотя на некоторые отрывки, исполненные по-русски, зал реагировал гораздо живее. А чтобы ввести зрителей в суть дела, ведущая (она же режиссер, она же главный мотор действия) Наталья Анастасьева каждую сцену снабжала кратким и совсем не академическим комментарием. В списке действующих лиц появился врач и пожарный, которые пытались всячески предупредить пожароопасные и просто опасные ситуации в сюжете, но под звуки волшебной флейты тоже начинали пританцовывать.

Словом, опера оказалась делом совсем не скучным, а живым и увлекательным, в ней нашлось место шуткам, непосредственным реакциям и прямому общению между сценой, залом и оркестром. (Кстати, музыканты «Инструментальной капеллы» согласились участвовать в этом проекте бесплатно!). Когда в финале Царица ночи и Зарастро помирились и обнялись, зал взорвался аплодисментами, радуясь за полюбившихся героев.

Так что дети, оказавшиеся в этот день в зале и тем более на сцене, по ту сторону рампы, получили бесценный урок живого соприкосновения с искусством. И теперь «Волшебная флейта» наверняка станет фактом их личной биографии, а ее герои — старыми приятелями, к которым хочется возвращаться снова и снова.

Марина Шимадина,

Интернет-издание «Kids.teatr-live»

Моцарт против тьмы

Опубликовано: 09.06.2015 в 01:54

Автор:

Категории: Медиа

Необычную «Волшебную флейту» показали в Москве. В спектакле наряду со взрослыми певцами и оркестрантами участвовали ученики московских школ и поющие ребята из Академии хорового искусства.

Спектакль на сцене Новой оперы не просто очередной Моцарт в московском театре. Это попытка (кстати, бесплатная и общедоступная) приобщить школьников к искусству «поющего театра», и итог работы «Класса театральной педагогики. Опера», который «Золотая маска» и Центр имени Мейерхольда проводили в этом году в рамках «Института театра». Организаторы задумались над проблемой смены поколений: кто будет посещать оперы в эпоху гаджетов и социальных сетей, когда у молодежи, как говаривал Гамлет, «есть магнит притягательней»? Как сломить убеждение многих родителей (а значит, и детей) в том, что опера нечто скучное, малопонятное и чересчур высоколобое? Нужно напомнить и взрослым, и детям, что любой театр – это приключение, игра и только от игроков (по обе стороны рампы) зависит, будет она захватывающей или оставит равнодушными.

И еще. Любой критик знает, что спектакль, на репетициях которого присутствуешь, на премьере смотрится с большей внутренней вовлеченностью. Именно вовлеченность предложили ученикам «Класса», которые вместе с учителями и родителями на серии интерактивных мастер-классов несколько месяцев вникали в оперное искусство. Они изучали историю и организацию оперного театра, его жанры и голоса и, конечно, музыку. Побывали в «Новой опере» на экскурсии, посмотрели открытую репетицию «Свадьбы Фигаро», разучили несколько номеров из «Волшебной флейты». А потом, по принципу «давайте создадим оперу», ученики десяти школ города вместе со взрослыми формировали спектакль, оказавшись в итоге и участниками, и слушателями. Всю утварь (бумажная серебряная луна и красное сердце, синий меч и желтое солнце, свисающие с колосников, ящики с надписями «Подвиг» и «Мечта», страшный картонный дракон и разноцветный воздушный шар) дети сделали своими руками. Конечно, им помогали художник Этель Иошпа, драматург Екатерина Поспелова и дирижер Илья Вашерук, камерный оркестр «Инструментальная капелла» Московской областной филармонии и певцы, студенты Академии хорового искусства и Хорового училища имени Свешникова. Среди певцов были очень многообещающие, а дети вообще пели неземными голосами.

Куратор «Класса» и постановщик «Флейты» режиссер Наталия Анастасьева-Лайнер, кажется, уверена, что ломка стереотипов возможна, если найти психологически точный баланс между традицией и смелостью. Когда такое удается, никого не смутит, что персонажи оперы XVIII века не одеты в костюмы времен Моцарта, а декорации не копируют барочные завитушки. Тем более что дети меньше всего подвержены «реалистическим» условностям взрослых: достаточно вспомнить условность детских рисунков. Кстати, на эстетике такого рисунка во многом построен спектакль, где либретто трактуется в хорошем смысле наивно, без груза привычек, как бы с чистого листа. Оперная история «про мрак и про свет», про любовь, испытания и мужество, по завершении которой все герои счастливы, с вполне осознанной подачи постановщиков напоминает школьный спектакль или новогоднее представление, где персонажам нужно преодолеть чьи-то козни и показать готовность к борьбе за хорошее.

Жрецы адепта света, волшебника Зарастро, в этой авторской версии преобразились в театрального пожарного в красной каске и врача в белом халате, они следят за безопасностью и соблюдением правил. Сам адепт – в строгом деловом костюме, как директор школы, – носит на шее компьютерный диск, сверкающий на свету, словно солнышко. Царица Ночи в черном балахоне, но ее свита щеголяет в мини-юбках, как и ее дочка Памина. Серьезный принц Тамино разгуливает в джинсах, как настоящие современные принцы, например, в Англии, а веселый простак Папагено носит оранжевый рабочий комбинезон с рюкзаком. Сюжет оперы (конечно, адаптированный) рассказывает Автор. Арии поют то по-немецки, то по-русски, что правильно: дети должны понимать происходящее, но привыкать к тому, что оперы исполняют на языке оригинала. Молодцы постановщики, что не стали искать легких путей. И взяли не какую-нибудь детскую, всем известную сказку, а философский шедевр мирового гения музыки. Когда в финале звучало «да здравствует солнце, да скроется тьма», все в зале и на сцене ликовали. И сговаривались встретиться вновь – конечно, в театре, на опере.

Майя Крылова,

Газета «Новые известия»

Архитектор и пчела

Опубликовано: 02.06.2015 в 01:48

Автор:

Категории: Медиа

В начале мая в пространстве Боярских палат прошли показы «Лаборатории ВЕСНА» — результата совместной работы Мастерской новых форм танца СОТА, курса театрального дизайна Британской высшей школы дизайна и молодых композиторов. Кураторами СОТА стали Дина Хусейн, Галя Солодовникова, Полина Бахтина и Дмитрий Курляндский. СОТА — лаборатория Института Театра, совместного проекта фестиваля «Золотая Маска» и Центра им. Вс. Мейерхольда. Мы попросили Антона Флёрова, курирующего проект со стороны Института Театра, прокомментировать результаты.

Идея открытой, подвижной исследовательской и образовательной институции в области театра витала в воздухе. В профессиональном сообществе разговор о том, что система театрального образования не справляется с актуальным процессом, стал общим местом. Театру, как и знанию о нём, стало тесно в существующих «учреждениях культуры».

Ситуация могла бы быть не такой уж проблематичной — практика всегда вырастает из преодоления академического знания — если бы не два обстоятельства. Первое заключается в том, что некоторые новые — не новые, впрочем, тоже — театральные жанры полностью выпадают из системы образования либо существуют там в каких-то превращенных формах. Прежде всего это касается теорий и практик современного танца. И Второе обстоятельство — актуальное профессиональное знание часто остается на уровне частного опыта отдельных талантов и не попадает в публичное поле, не становится предметом осмысления. Отсюда тенденция создавать магистратуры — в первую очередь, режиссерские — непосредственно в театрах, в которых работают режиссёры носители актуального знания.

Попытку преодолеть эту ситуацию три года назад предприняли фестиваль «Золотая Маска» и Центр им. Вс. Мейерхольда, создав Институт Театра. Попытка удалась, и в этом году в Институте Театра случился настоящий прорыв — мы запустили пять мощных лабораторий, и эти проекты стали катализаторами самых актуальных театральных процессов и вызвали самую оживленную, и, что еще важнее, не только умиленно-комплиментарную реакцию. Мы начали формировать долгосрочные планы, ввели общее кураторское начало и стали координировать деятельность различных подразделений, чтобы усилить общий эффект.

Предметом этого текста является Мастерская новых форм танца СОТА, но небольшая вводка про Институт Театра необходима, чтобы понимать, что результаты СОТА могли бы быть иными, если бы она не стала частью общего дела.

Обратить внимание на современный танец пришлось — чего уж тут скрывать — из личных предпочтений и вкусов, но еще из-за достаточно безрадостного российского танцевального ландшафта. СОТА сформировалась как платформа для исследования новых движенческих практик, как коллективная сила, которая объединила творческие импульсы наиболее интересных на сегодняшний день профессионалов в современном танце, академической музыке и театральном дизайне — список кураторов и преподавателей СОТА можно смело использовать как рекомендацию в отношении того, за кем следует пристально следить в российском театре. Исследовательская работа в СОТА сочетается с педагогической.

Курировать СОТА мы пригласили Дину Хусейн, что стало стопроцентным попаданием — Хусейн владеет как российским, так и международным контекстом и в области танцевальных практик, и в области образовательных программ. А еще и обладает менторским, педагогическим талантом, что ничуть не менее важно для такой интенсивной работы, когда участники практически живут вместе на протяжении двух месяцев.

Принципиальным моментом стало то обстоятельство, что деятельность СОТА не была связана никакими институциональными и административными требованиями и рамками. Не «количество часов» определяло наполнение, а идеи и фантазии. Этот принцип проводился в жизнь почти с маниакальным упорством, исключались заранее установленные критерии при отборе участников, все процессы доводились до конца, несмотря на временные ограничения, активно использовались неконвенциональные методы обмена информацией и обсуждения.

Еще одним принципом СОТА стало объединение современного танца, перформанса, современной музыки и театрального дизайна в пространстве общего художественного процесса. Выбравшись из жанровых гетто эти искусства оказались в новом для себя контексте. СОТА готовила, в первую очередь, художников, а уж затем сценографов, танцовщиков и композиторов. Мастерство и профессионализм оставались необходимыми условиями работы, но перестали быть целью. Они лишь средства для реализации идей и фантазий. Этот принцип позволил участникам СОТА понять общие процессы и тенденции и активно включаться в художественные практики, расширяя территорию театра до бесконечности.

Результаты СОТА еще требуют общего разговора. Отметим лишь некоторые. Важнейшим мне представляется то, что в нескольких театральных профессиях появилась группа молодых, способных на творческую работу и художественно состоятельный результат. Они уже демонстрируют ту уверенность в себе, которую им еще только предстоит доказывать. Но при этом они задорны, готовы к кропотливому труду, обладают авторской смелостью и умеют выстраивать коммуникацию с аудиторией. И они вместе, а поэтому могут работать честно, а не только обслуживать своими телами интересы рынка.

Оставлю обсуждение художественного результата работы СОТА — «Лаборатории ВЕСНА» — сторонним экспертам. С точки зрения куратора, отмечу умение мобилизоваться для достижения художественного результата, преодолеть противоречия, качество проработки темы, профессионализм исполнения. И удовольствие от участия.

В работе СОТА этого года акцент был сделан на междисциплинарности. Сотрудничество хореографов и композиторов проходило вполне комфортно – кажется, они достаточно быстро нашли общий язык. Новая форма работы с партитурой – установление определенных правил формирования звукового ряда вместо привычной жесткой нотной записи – сближает фигуру композитора и хореографа. Это некоторая праформа творческого процесса, как заметил Дмитрий Курляндский.  

Сотрудничество со сценографами шло сложнее, было связано с достаточно продолжительным периодом взаимной адаптации и поиска общего языка. Причин такого несовпадения множество – разный материал для творчества, разные представления о профессии, разная степень телесной вовлеченности в процесс, разное отношение к персональному авторству. Все эти вопросы обсуждались, сценографы искали подходы к менее уловимому материалу, которым является человеческое тело.  Танцовщики также учились работать в беспокойном пространстве, заполненном вещами, материальными объектами. Все они постоянно сталкивались с дилеммой между персональным и коллективным результатом, между группой и своим эго. Мы старались выявить причины несогласованности. А в результате участники научились работать вместе, и к набору профессиональных качестве добавили крайне важную в современном театре способность взаимодействовать на площадке.

Кураторы СОТА уделяли максимальное внимание исследовательскому процессу, не экономили время для разговоров и дискуссий. Одним из результатов такой дотошности стало то, что участники приобрели навык не только размышлять и концептуализировать, но четко формулировать свои идеи и фантазии. Это стало очевидно в ходе нескольких опытов общения СОТА с публикой. Коммуникация как внутри группы, так и за её пределами, вряд ли станет для участников лаборатории фактором, ограничивающим творческие задачи.

Мы очень довольны еще и тем, что у СОТА обнаружился потенциал международного сотрудничества. Оказалось, что взаимодействие между образовательными институциями разных стран может генерировать очень любопытные процесс, которые кураторы СОТА намерены исследовать в дальнейшем. Совместно с Электротеатом «Станиславский» мы провели в рамках СОТА круглый стол, на котором обсудили проблемы и перспективы образования в области современного танца. В нем приняли участие представители финских танцевальных институций. Сейчас обсуждаются планы практического сотрудничества.

Наконец, еще один, отчасти неожиданный для нас самих, результат деятельности СОТА: мастерская стала настоящим катализатором для процессов в области современного танца и перформанса, постоянным возбудителем спокойствия и агентом внимания к этому жанру в театральном сообществе и шире — в художественном процессе.

У нас очень много вопросов в связи с работой СОТА. Но нам очень любопытно разобраться и работать дальше. И кажется, есть чем гордиться.

Антон Флеров,

Блог журнала «Театр.»

«Звук тела, тело звука»

Опубликовано: 25.05.2015 в 01:09

Автор:

Категории: Медиа

Совместно с Электротеатром Станиславский

Показы перформансов участников Мастерской новых форм танца «СОТА»

В рамках Мастерской новых форм танца «СОТА» молодые хореографы и композиторы исследовали вопросы нотации и графической фиксации в хореографических и композиторских практиках. Нам было интересно поработать с переживанием времени, полифонией в движении, возможностями музыкальной композиции, путешествием звука в теле, звуком как временем и звуком как состоянием, фактурой звука и звуковой тканью пространства.

В конце первой недели студенты и композиторы выбрали интересующие их темы и идеи, развитием которых занимались в последующие две недели. Результат лаборатории, состоящий из отдельных мини работ студентов и композиторов, будет показан 1 мая в фойе Электротеатра Станиславский.

Кураторы процесса, преподаватели: композитор Дмитрий Курляндский, хореограф Дина Хусейн, композитор и музыкант Владимир Горлинский

Композиторы: Даня Пильчен, Даша Звездина, Лёша Зайцев и Олег Крохалев

Участники лаборатории «СОТА»: Анна Рябова, Анна Грицук, Александра Портянникова, Мария Вам, Валентина Луценко, Евгения Четверткова, Татьяна Чижикова, Анастасия Толчнева, Надежда Назарова, Егор Атаманцев, Алексей Кирсанов, Артемий Малахов, Вик Лащенов, Назар Рахманов

Новые площадки = театр + ?

Опубликовано: 06.04.2015 в 00:55

Автор:

Категории: Медиа

Круглый стол о современных театрах как центрах междисциплинарного культурного развития.

В обсуждении вопросов, связанных с настоящим и будущим театров открытых дверей участвовали: художественный руководитель Электротеатра «Станиславский» Борис Юхананов, главный режиссер Новой сцены Александринского театра Марат Гацалов и заместитель главного режиссера Новой сцены Александринского театра Дмитрий Ренанский, художественный руководитель Центра им. Вс. Мейерхольда Виктор Рыжаков и арт-директор Центра им. Вс. Мейерхольда Елена Ковальская, художественный руководитель Воронежского Камерного театра Михаил Бычков.

Хайнер Геббельc — Борис Юхананов: Критика репрезентации

Опубликовано: 21.03.2015 в 00:31

Автор:

Категории: Медиа

Критика репрезентации и нарративности в театре.

Хайнер Гeббельс и Борис Юхананов встретятся для того, чтобы обсудить принципиальные для современного театра вопросы репрезентации и нарративности.

Дмитрий Курляндский – Теодор Курентзис: диалог о новой музыке и театре

Опубликовано: 26.02.2015 в 01:02

Автор:

Категории: Медиа

Диалогу двух ключевых персонажей современной российской композиторской сцены –об искусстве организации времени и пространства, а также – о сложностях работы «быть зрителем и слушателем» современного искусства.

СОТА – обучение через практику. Интервью с куратором программы Диной Хусейн.

Опубликовано: 12.02.2015 в 01:57

Автор:

Категории: Медиа

В начале марта в рамках проекта «Институт театра» стартует мастерская СОТА , планирующая развивать в Москве новый образовательный формат, давно устоявшийся на западе. Незадолго до завершения приема заявок от участников мы поговорили с куратором Диной Хусейн о принципах, структуре и амбициях мастерской.

Анна Кравченко: Что стало стимулом для создания этого проекта?

Дина Хусейн: Мне кажется, нам всегда не хватало такого пространства в Москве, где люди могут не только чему-то обучаться, получать информацию, но и иметь пространство для личного исследования, взаимодействовать друг с другом, искать и практиковать создание работ в команде. Идея возникла после моего обучения во Франции на программе подготовки молодых хореографов ex.e.r.ce, там как раз обучение, исследование и создание работ были равноправными составляющими процесса. И мне хотелось, чтобы возможность получить такой опыт, была и здесь, в Москве. Такого места нет, и когда его нет, это просто интересно создать.

АК: Расскажи про контекст, в котором сейчас реализуется программа, почему это происходит в рамках Института театра?

ДХ: Институт театра – совместный проект фестиваля «Золотая Маска» и Центра им. Вс. Мейерхольда. У них уже был подобный опыт лабораторно–образовательных проектов в других сферах театра и искусства. В этом году тоже открывается несколько лабораторий, в их числе и проект СОТА. Я очень благодарна им за интерес к современному танцу, равно как и за возможность провести эту программу бесплатно для участников. Мне кажется, это очень положительный и важный момент. И, конечно, очень бы хотелось, чтобы одним годом этот эксперимент не закончился и мастерская СОТА развивалась, наращивала свой масштаб и смогла стать ежегодно проходящим проектом.

АК: Почему такое название — СОТА?

ДХ: Все просто. СОТА – это аббревиатура СОвременный ТАнец – мастерская современного танца. И СОТА — хороший образ, мед, сладкая ячейка такая. Местечко, где что-то хорошее может создаваться.

АК: Как формировалась программа этого года, ты отталкивалась от каких-то тем или от состава преподавателей? Российские преподаватели – это принципиальное решение для проекта?

ДХ: Мы долго работали над программой и изначально она планировалась еще более масштабной по содержанию. Были идеи приглашать иностранных преподавателей, но в этом году бюджет нам не позволил это сделать. Но с самого начала нам было интересно сфокусироваться на междисциплинарных проектах, коллаборациях. То есть во главу угла мы ставили сотрудничество современного танца с другими областями искусства. Со мной связалась художник Галя Солодовникова, она ведет курс театрального дизайна в Британской Высшей Школе Дизайна, ей было интересно поработать с людьми из современного танца. Дальше мы встретились с композитором Дмитрием Курляндским и нашли много общих идей и интерес в том, чтобы понять как современная академическая музыка и танец могут взаимодействовать. Как концепции отношения к телу и концепции новой академической музыки могут повлиять друг на друга, и что из этого может выйти. У Курляндского в принципе интересный подход к исполнению, он часто предлагает своим музыкантам некое психофизическое состояние, определенного сорта концентрацию, которая отражаются на том, как они играют, создают музыку. Это что-то очень близкое современному танцу и перформансу.

АК: Расскажи про преподавателей, которые отвечают непосредственно за танец и пеформанс?

ДХ: Здесь я тоже руководствовалась этим критерием междисциплинарности. И приглашала хореографов с опытом работы на стыке разных сфер. Такие люди как Анна Абалихина, Ольга Цветкова, Соня Левин, мне показалось, могут хорошо вписаться в программу этого года. Вообще, много хотелось в программу внести, и сейчас смотрю на расписание и понимаю, что у участников практически не будет выходных.

АК: То есть программа подразумевает ежедневные занятия?

ДХ: Да, с 5 марта по 11 мая, лаборатории по четыре часа в день, а иногда и больше, включая выходные. Понимая, что такую загруженность не каждый может себе позволить, мы хотим провести отбор в формате живой встречи с участниками. Не только для того чтобы самим познакомиться с ними, но и позволить каждому из них оценить свои силы и возможности серьезно включиться в работу на протяжении всей мастерской.

АК: Кого ты ожидаешь увидеть среди участников программы? Каковы критерии отбора?

ДХ: Хочется сюрпризов. Понятно, что в первую очередь это люди, у которых уже есть определенный танцевальный опыт, опыт работы с телом, опыт присутствия на сцене и создания работ. Но в то же время, мы открыты к участникам из других сфер — актерам, художникам, музыкантам. Такие люди приносят свою информацию, какой-то свой способ взгляда на тело, на движение. И могут плодотворно влиять на группу в целом. То есть мы не ищем исключительно сильных танцовщиков, мы ищем людей, у которых есть взгляд, желание работать с телом в театральном, выставочном пространстве, искать новые подходы и практики.

АК: Возраст тоже не имеет значения?

ДХ: Не имеет. На самом деле, не хочется вводить какие-то ограничение на самом первом этапе. Программа в этому году проходит в первый раз, и интересно свои идеи, свой опыт обучения за границей проверить в российском контексте. Посмотреть, а кому это может быть интересно? А может ли группа работать, когда у людей разное телесное образование? Как они будут работать вместе? Смогут ли найти общий язык? Как они распределят роли? То есть мы можем себе позволить в этом году, пока курс экспериментальный, оставить все эти вопросы открытыми.

АК: Такая свобода подразумевает риск встречи с множеством непредвиденных ситуаций? Ты к ним себя готовишь?

ДХ: Я экстремальный человек, в этом смысле. Мне бы хотелось, чтобы это было исследование не только для учеников, но и для тех людей, которые преподают. Мы планируем собирать с педагогами брифинги, где мы будем обсуждать как все проходит, что мы можем менять, чтобы это лучше функционировало? Важно, чтобы это была живая, мобильная, адаптируемая структура, чтобы она прибывала в контакте со средой, учитывала процессы, которые уже есть. В способности замечать и реагировать на процессы, которые уже есть, я вижу развитие. Может, я утопист, конечно, будет любопытно, если возьмешь у меня интервью после курса (смеется).

АК: В том процессе, который ты описываешь важно, чтобы была возможность открытых показов, контакта с аудиторией. Вы что-то подобное планируете по ходу курса?

ДХ: Да, мы предусмотрели несколько вариантов презентаций работ студентов, а так же самого процесса работы. Результат работы лаборатории с композиторами мы, возможно, покажем в фойе Электротеатра «Станиславский», сейчас ведем переговоры. Также запланированы показы в рамках совместной лаборатории со студентами Гали Солодовниковой, которая пройдет в мае в Боярских палатах СТД РФ. Что это будут за работы – соло, дуэты, групповые перформансы – мы пока не можем сказать. Это зависит от интересов самих участников. Еще один формат, который мы обсуждаем – это день открытых дверей, по окончанию недельных лабораторий с преподавателями. Здесь нет задачи показать готовые работы или результат, а скорее приоткрыть сам рабочий процесс. Конкретную форму выбирает педагог, это может быть танцевальный материал, дискуссия, лекция, видео. В общем, нам очень важно, что СОТА — это лабораторное пространство, где и преподаватели, и участники получают возможность пробовать свои идеи на практике и экспериментировать с новыми форматами. Поэтому мы ждем участников, готовых к исследованию, активному личному включению и самостоятельной работе.

Дина Хусейн — хореограф, перформер, куратор Мастерской. Закончила Хореографический Лицей в Москве, Роттердамскую Академию Танца, получила грант на обучение во Франции, программе для молодых хореографов EX.E.R.CE под руководством Матильд Моннье и платформе для хореографов DanceWEB в Вене. Стипендиат программы «Jardin d’Europe», номинант премии «Золотая маска» в номинации «Лучший спектакль в современном танце» и «Лучшая женская роль».Ее работы были участниками европейских, американских и русских фестивалей танца. Сейчас живет и работает в Париже и Москве, где создает свои театральные проекты и сотрудничает с российскими и европейскими художниками и режиссерами.

Анна Кравченко,

Интернет-издание «Roomfor»